👼と♨️のᎩuКꂅოuᏒᎥ լᕱც

Maison book girlがこれまでずっと「喪失と回顧を表現してきた」のであるとすれば、「Maison book girlは削除されました」はその表現の前提であり核であったといえるでしょう。そして『Solitude HOTEL』はまさにその集大成であり終着（あるいは始発？）であるんだと思います。

では、Maison book girlが削除された世界で、この先『non Fiction』を生きていくぼくたちは一体どうすればいいのか。その答えは例のホームページのなかにはっきりと書いてあるはずなのです。コンパクトディスク及びインターネット上のミュージックアーカイブは一部を除き削除されません。引き続きお楽しみください。

大滝詠ー『A LONG VACATION』

👼アーカイブといえば、近年は音楽作品のアーカイブ＝サブスクだってくらいの勢いになってきてますよね。逆にいえばApple MusicやSpotifyにない音楽はもはや存在しないのと一緒みたいな扱いを受けてしまっています。

♨️資本主義が憎いか？

👼え？

♨️ぶち壊そうぜ？

👼？

♨️......

♨️さ、それはさておき

👼まじかよ

♨️そんなサブスクですが、今年は色んな音源が解禁されて話題になりましたよね。

👼たしかに話題に事欠かなかったですね。

www.phileweb.com

♨️なかでも今年は大滝詠ー『A LONG VACATION』が発売40周年を迎え、記念盤の発売とともに自身のレーベル「ナイアガラ」から発表した本人名義全作品の楽曲が、2021年3月21日より各音楽サブスクリプションサービスにて全世界へ向けて一挙配信されました。

www.sonymusic.co.jp

👼近年のアメリカやインドネシアなどの海外を中心とするシティポップ再ブームの波もあり、大きな話題になりましたね。

kompass.cinra.netただ、上の記事を読むと、どうもロンバケに関してはそういった海外のシティポップブームの文脈からはあまりウケてないみたいですね。以下に引用します。

柴崎：そうですね。でも基本的に大滝さんの楽曲は、現在海外でウケているブギー的でダンサブルなものとは違うし、シティポップの文脈と離れて定着する可能性がありますよね。

『A LONG VACATION』（1981年）を海外の人がパッと聴いたときに、即座に「シティポップだ！」ってならなそうな気がする。

松永：『ロンバケ』のサウンドに対しては「ジャケのイメージと違う」と感じる反応がアジアやアメリカでも多いですよね。日本ではあのジャケとサウンドは完璧な相性と思われているのに。

さっきも言いましたが、海外での永井さんのイラスト人気はすごいし、シティポップのアイコンとしても超強力。ビジュアルの印象から入る現代の海外リスナーにとって、大滝さんのオールディーズ的な音像はむしろジャケとの齟齬を生んじゃってるかも。日本とは受容のされ方が対照的だなと感じます。

♨️すごく面白い状況ですよね。シティポップというジャンルで中心人物であるはずのロンバケですが、現行のシティポップブームからの視点からではむしろ外れた存在に位置づけられたりしているという。

パッケージされたノスタルジー／生きた意匠

👼そうしたロンバケの魅力については、下の記事での村尾泰郎のテキストによって詳しく書かれていました。面白いので未読の方はぜひ...

kompass.cinra.net

印象的な部分を以下に引用します。

『A LONG VACATION』はシティポップなのか？　と考えてしまうのはグルーヴの問題だけではなく、アルバムを薄いベールのように包み込んでいる翳りのせいでもある。本作をリリースする際、大滝はアルバムのテーマは「夏」ではなく「夏への憧れ」だと語った。

憧れとは、そこにはないものを強く心に願うこと。松本の歌詞には別れた恋人や過ぎ去った時間への想いが綴られているが、そうした喪失感が、世界が眩しく輝く季節＝「夏」と鮮烈なコントラストを生み出している。

（中略）

『A LONG VACATION』に収録した曲の多くは、大滝が様々なアーティストやCMに提供した曲をもとにしていて、ナイアガラで10年かけて研究したポップスの魅力を、大滝は1980年代という印画紙に天然色で焼き付けた。シティポップで描かれた風景は時の流れの中でノスタルジックになっていくが、『A LONG VACATION』の風景は決して色褪せない。それこそが、「シティ」がつかない（つまり、普遍的な）ポップスのマジックなのだ。

♨️なるほど。大滝はロンバケにおいて、ジャケから連想されるような輝かしい夏の情景そのものではなく、むしろその喪失と憧れを自身の研究成果とともに描き切った。だからロンバケはひとつの時代に留まらないポップスとしての普遍性に開かれているんだと。

👼この記事の後半では、imdkmが「シティポップと大瀧の関係性を再評価の観点から性急に編み直して語ってみせるよりは、むしろその言説や思想を振り返ってみることにこそ意義がある」と指摘していますが、たしかにロンバケや大滝の研究を掘り下げることで新しくみえてくるものってまだまだありそうだし、それによってまたシティポップというジャンルの捉え方も変わっていくかもしれませんね。

♨️そうなっていったら面白いですよね。2つ前にあげた対談記事で、柴崎祐二が「現在のシティポップブームって、「パッケージされたノスタルジー」として捉えることができる一方で、「生きた意匠」として現行の楽曲に取り入れられてきた、という意味では、「人間的」で、アクチュアルな広がりを持つものでもあると思うんです。」と語っていましたが、シティポップを「生きた意匠」にするのは、それこそミュージシャンだけではなくリスナーや書き手に与えられた力でもあるはずです。というわけで、2022年には柴崎祐二『シティポップとは何か』という書籍発売される予定ですが、まずはこちらを楽しみに待ちたいところです。

www.kawade.co.jp

再び、岡﨑乾二郎『感覚のエデン』

♨️はい、では話は変わって本記事の冒頭でも取り上げた岡﨑乾二郎『感覚のエデン』ですが、ここで再び話題にしたいのが150ページからはじまる「確率論的主体性（放射能的アソシエーション）」というテキストです。この文章の前半では、あの原発事故を例に出しながら、災害に負けないための計画がかえって不可避的に災害を作り出してしまうという都市計画のパラドックスについて語られています。少し長くなりますが以下に引用します。（p.151～p.154）

計画し、統御する主体は誰なのか？誰がそれを代行＝リプレゼントしうるのか？それは不可能である。不可測の事態（事件、そして災害）とは計画すること、恒常性を要請されるシステムという前提が、それゆえに発生させてしまうものであるから。これは60年代には広く認識されはじめていた都市計画のパラドックスです。災害は都市計画（そしてそれに従ってなされた基盤構造こそ）が作り出す。ある災害が起こると、それを防御するように「もっと強い」都市が計画される。が、これは制御されうる領域とその外部の領域の境界を結果として強化することになり、かえって外部とのポテンシャルの差を大きくし、災害を大きくする。また、そればかりではなく、あらかじめ予測された災害に特化して都市を計画することは、その予測対象から外れたものへの脆弱性を強めることにもなる。

（中略）

放射線汚染の結果、たとえば、あまり家から出ないほうがいいなどということが言われます。しかし、かつては（現在でも、南極やら月の基地やら宇宙ステーションであれば）家の外（外部環境）に出ることは危険であった。もともと、それが家を造ることの要請だったのだから当たり前です。建築とは外部と内部を区切ることなのですから。だとすれば、いま家の外（外部環境）が危険になったと言われるのは、それがいままで外部ではなかったということにほかならない。つまり原発および電気エネルギーをシステムの中核にした、巨大なインフラの内部にいた、ということです。

エントロピーという概念を考えると、原子力システムはエントロピーを閉じ込めている、というより隠蔽、そして忘却することで成立していた。計測しえない要素は、システム内の要素として勘定せず（できないわけですから）、システムが前提とする時間スケールから、ひたすら排除し隠蔽することで対応しようとしてきたと言わざるをえない。（中略）計画は、それが前提とする計画外要素＝外部要因（エントロピー）を内部化して、コントロール可能にしているように見せかけて、それを忘却させている。これが人為的に計画されて（制御可能だと想定されて）いる環境の特徴です。

👼安心安全な都市を計画することが不可避的に外部要因（エントロピー）を計画外に追いやる（＝隠蔽・忘却）ことになるんだと。そして、予想外の災害は起こる。なるほど納得できる文章です。

都市計画のパラドックスとフジロックの「分断」

♨️そう考えると、IOC総会での安倍元首相のアンダーコントロール発言も決めてとなって開催が決まった東京2020オリンピックが、コロナ禍での緊急事態宣言の最中にも関わらず「安心安全」に開催されたことはそういった都市・国家の悪あがきとしてすごく印象的な出来事でした。

👼大型イベントでいうと、そういえば2021年は東京五輪だけでなくフジロックの開催でも大きな議論を巻き起こしましたよね。

www.nhk.jp

♨️フジロックに関しては、いまも公式ページを覗くと「今年、フジロックは苗場での開催実現に向けて、新型コロナウイルス感染防止対策を徹底し、全ての方々が安心・安全に過ごせる『コロナ禍で開催する特別なフジロック』を目指します。」という開催にあたっての声明文を読むことができます。しかし、感染対策がされているとはいえ、人が大勢集まるなかで実際にはどうなるか誰にも分からなかったはずです。

👼都市計画のパラドックスがここでも起こっていたと...

♨️フジロックの開催の是非についてはツイッターでも本当にすごい意見が対立してましたよね。そして、そこでよく持ち出されていたのが「分断」というワードでした。例えばこちらの記事。

www3.nhk.or.jp

「アーティストは、出演するか、取りやめるか。観客も、現地に行くか、オンライン配信で見るか。対応は分かれました。新型コロナの感染が確認されてから1年半。“分断”を生まないために、何が必要なのでしょうか。」という問題提起がなされています。

👼その記事でも触れられてましたが、ミュージシャンの折坂悠太がフジロック出演辞退を発表したときの声明文もめちゃくちゃ話題になりましたよね。

今回、フジロック出演を辞退します。
直前の報告となってしまい、申し訳ありません。 pic.twitter.com/rLLbaQbJpy
— 折坂悠太｜OrisakaYuta (@madon36) 2021年8月20日

♨️あー、これすごい良い文章ですよね。なかでもとくに印象的だったのが以下のくだりです。

私が望むのは、誰もがその人なりの生の実感を持ち、それが守られる社会。潔くなくとも考え続け、その結果が、思いもよらない形で実を結ぶ社会です。

そんな思い描く景色が、夏の苗場にありました。2007年に客としてはじめて足を踏み入れてから、虜です。私はフジロックが大好きです。

この理想郷には、私のような者がいて良いのではないか。これは、フジロックへの信頼です。2021年8月22日、15時20分、空（から）のステージでもって、私の大好きなフジロックを、私は実現したいと思います。

クリストファー・スモール『ミュージッキング音楽は〈行為〉である』

♨️と、ここまで簡単にフジロックを振り返ってきましたが、ここでわたしが取り上げたいのがクリストファー・スモール『ミュージッキング音楽は〈行為〉である』という書籍です。ここでは、「音楽の本質とその根本的な意味とは、対象、すなわち音楽作品のなかにあるのではまったくなく、人びとの行為の方にある。」(p.29)という「ミュージッキング」と呼ばれる概念が登場します。

👼ミュージッキングについては、以前に別の記事でも取り上げたことがありましたね。

書きました！！！相変わらずでかい主語のタイトル！！！！！

（聴覚体験としてだけではなく）音楽を聴くこと、理解することについて - 👼と♨️のᎩuКꂅოuᏒᎥ լᕱც https://t.co/fk7nN5oS6H
— 温泉マーク♨🐤💕Vtuber (@ngo750750750) 2021年3月14日

そのときにも引用したミュージッキングについての説明がこちらです。(p.30~p.32)

「音楽する(ミュージッキング)」とは、どんな立場からであれ音楽的なパフォーマンスに参加することであり、これには演奏することも聴くことも、リハーサルや練習も、パフォーマンスのための素材を提供すること(つまり作曲)も、ダンスも含まれる。私たちはこれに、チケットのもぎりや、ピアノやドラムのような重たい楽器を動かすたくましい男たち、はたまた楽器をセットアップしたりサウンドチェックをするローディーたち、それから、パフォーマンスの場から人がはけた後で活躍する掃除夫を含めることすらできる。なぜなら、かれらも音楽パフォーマンスという出来事に、本来、貢献しているからだ。

(中略)

「音楽する」という動詞を使うことは、これらすべての様々な行為が一緒になって初めて、ある一つの出来事が形づくられるのだということを、私たちに思い出させてくれる。この概念的な道具を使って初めて、全体としての出来事が生み出す意味の探求を開始できるのだ。

♨️「すべての様々な行為が一緒になって初めて、ある一つの出来事が形づくられる」ということを考えれば、2021年のフジロックはそこに内部と外部（＝フジロックには関わらないがそのリスクだけは引き受ける人たち）という区切りをつくってしまったといえるでしょう。だからこそ、今後フジロックが折坂の言うような理想郷（誰もがその人なりの生の実感を持ち、それが守られる社会）として開かれ続けるためには、まずは絶対にそこが解消される必要がある。

👼そのためには、まず開催前から開催後にかけて、フジロック2021という音楽パフォーマンスがどのような様々な行為によって形成されていったのか。隠蔽や忘却に陥ることなく可能な限りオープンなかたちで検証していくことですよね。

♨️そうですね。すでに2022年のフジロック開催がアナウンスされているだけに、そこらへんが主催である株式会社スマッシュによって今後どう展開していくのか。注視していきたいと思います。

Playboi Carti『Whole Lotta Red』

♨️さて、ここまで2021年のフジロックの話をしてきましたが、ひとたび海外に目を向けるとアメリカはなんかめちゃくちゃ大規模に音楽フェスをやっていますね。

rockinon.com

👼いくつか配信で見てましたがもはや引くほど客入れててめちゃくちゃ盛り上がってましたね。

♨️せっかくなんでわたしも配信を楽しんでいましたが、特にやばいと思ったのがlollapaloozaやRolling Loudで披露されたPlayboi Cartiのパフォーマンスです。

https://smarturl.it/WLRcarti

👼たしかにこれは凄かった。

♨️Playboi Cartiといえば、最新作『Whole Lotta Red』は今年とくに夢中になって聴き続けたアルバムのひとつでした。なんかもう気づいたらこれ聴いてた。

👼『Whole Lotta Red』（以下WLR）に関しては、こちらの記事がとくに参考になりました。

thesignmagazine.com

fnmnl.tv

新しい「ロック・スター」像の提示としての「ヴァンパイア」というコンセプトや、「808が異様にラウドでバランスを欠いたミックスのトラップサウンド」「強烈な低音とミニマルなシンセのループにシャウト気味の発声も交えて絡む」最先端のクランク作品であるなどといったサウンド面での特徴。そして、そんなPlayboi Cartiのライブパフォーマンスが「ベッドルームで暴れていたレイジ・キッズたち」を解放する場になったことなどが書かれています。

♨️Playboi Cartiのライブは現地の人の動画とか見てもまじですごい盛り上がりですもんね。

If someone falls pick em up! @RollingLoud ! NY was lit!! pic.twitter.com/7XUhm5yiBk
— $ting 🦹🏿‍♂️ (@Darel_escobar) 2022年1月14日

そして、この一連のライブパフォーマンスの大きな特徴として、映像を見たらわかるとおり肝心の主役であるPlayboi Cartiがなんかそんなに自分で歌ってないんですよね。

👼いわゆる「ハイプだけのパフォーマンス」ってやつですね。

playatuner.com

このように、「音源と同じ状態の曲をそのまま流し、自分ではほとんどラップをしない」ラッパーのパフォーマンスがなぜ大きな音楽イベントですら観衆に受け入れられ盛り上がるようになってきているのか。上の記事では、「ライブDJカルチャーとの融合的な側面」「インターネット時代の自然な流れ」「有名になる順序の逆転」といった推測が立てられています。

♨️まあ正直そこらへんの事情にはまったく詳しくないので経緯については分かりませんが、たしかなことはライブパフォーマンスに生演奏が求められていない（どころかなくても盛り上がる）場合が問題提起がされるほどに増えてきているということです。

👼これまで絶対視されてきたライブ＝生演奏だっていう価値観が相対化されてきているんだと。ちょっと面白い状況ですね。

ミュージッキングはゴーストライトの（悪）夢を見るか？

♨️なかでも今回取り上げたいのが、230ページからの井手口彰典『ミュージッキングはゴーストライトの（悪）夢を見るか？』です。この文章では、2014年の佐村河内守をめぐるゴーストライター事件を題材に、佐村河内に寄せられた典型的な2つの批判「物語批判」と「裏切り批判」を取り上げ、ミュージッキングの観点から検討を加えています。そのなかで、井手口は「ある行為を虚偽と認定しようにも、そのための判断基準が万人にとって常に一定であるとは限らない」（p.242）点について指摘しています。以下に続きを引用します。

佐村河内事件に限って言えば、彼の振る舞いを擁護する声は（皆無ではないものの）さほど聞かれなかった。それは多くの人々にとって不適切でありミュージッキングとは見なしがたいものであったのだろう。だが別の機会には、もう少し意見が割れそうな行為も出てくるのではないか。たとえばライブコンサート等における出演歌手の「口パク」はどうだろう。（中略）口パク擁護派（やむを得ない／別に構わない）はそれをミュージッキングの一形態として承認するだろうが、反対派（騙された／許せない）はそれを恥ずべき行為として排除しようとするだろう。

音楽に関する個々人の価値判断を束ねオーソライズするような超越的審級は、少なくとも現代社会のなかには存在していない。我々一人ひとりの感覚や社会的な関心の程度に応じて、価値判断の結果はいかようにも変わりうる。もちろん、そのこと自体は決して非難されるような問題ではない（むしろ単一の審級に支配された世界の方が恐ろしい）。しかしそうした、ある意味で不確定な状況こそが「ミュージッキングとは何か」をめぐる「無益な議論」を生み出す。

👼なるほどねえ。さきほど「音源と同じ状態の曲をそのまま流し、自分ではほとんどラップをしない」ラッパーの音楽パフォーマンスのことを批判的に捉えた記事を読みましたが、以上のことを踏まえると、これもある一方のミュージッキングがもつ価値判断による価値観の押しつけのようにも感じますね。

♨️そういった価値観を一旦抜きにして改めてPlayboi Cartiのパフォーマンスを考えてみると、「ベッドルームで暴れていたレイジ・キッズたち」にとって大事だったのは、オーケストラのコンサートのように優れた音楽を鑑賞することでもラッパーのスキルを味わうことでもなく、まずもって自分たちの鬱憤が解放されることであったはずです。そして、Playboi Cartのパフォーマンスはそういった観衆の欲求に誰よりも完璧に応えた。だからこそあれだけの熱狂を生み出したのです。

ライブにおける「生」とは何か

kai-you.net

www.moguravr.com

しかし一方で、こうした試みははたして「リアルライブ」の代替になるのかといった議論も見られましたね。

join.biglobe.ne.jp

♨️まあ、ぶっちゃけ当然これが「リアルライブ」の代わりになんかなるわけないんですけど、逆に、これまで同じ時間と空間の共有を前提とする「リアルライブ」の在り方が基準になりすぎていたところはあるかもしれません。例えば、いまGoogleで「ライブとは」で検索すると、「生放送。また、（観客の前での）生演奏。」と出てきます。しかし、それが本当にライブというものの本質なのか。仮にそうだとしたら、冒頭で取り上げたMaison book girl『Solitude HOTEL』の前半は事前収録された映像だったわけですから、その間はまったくライブでなかったことになる。でもそれを見ていた観客は確実にそれも含んでライブなんだと受け取っていたはずです。

👼ふむ

♨️実は本当に肝心なのってミュージッキングに深く巻き込まれてるって感覚なんじゃないかと思うんですよね。ライブ固有の「生」の時間とか空間っていうのは、その巻き込まれによって事後的に生まれるものなんじゃないかと。

👼うーん、なるほど...

♨️本当は演奏者が実際に目の前にいるかどうかなんてあんまり関係ないんですよ。つまり、そこにライブが起こっているとき、「生」であるのは演奏者という他者ではなく、他でもない自分自身なんです。だから、ぼくがアーカイブでMaison book girl『Solitude HOTEL』を観て心が打ちぬかれたように、きっとそれは100年後にでも誰かにとってライブとして再生されうるんだと思います。まるで「ぼくは、いまもきみを愛しています」という一文を読むときのように。十五夜のたびに月を眺め、そのつど新鮮に感動を覚えるように。

👼はい、じゃあ今回はこんなところですかね。まあ、というわけで2022年も引き続きYUKEMURI LABをどうぞよろしくお願します。

♨️最後は2021年に生まれたあの名曲の歌詞を載せて終わりにしたいと思います。ではみなさん、明けましておめでとうございます！今年もよろしくお願いします！

お前ん家に入ったとき

俺の狂いかける磁場

深く空気を吸った

ここは2人の実家

住む

君に届く生活圏

とりまベッドの隙間に潜った

あぁ残り香を吸った

愛の芳香剤が充満

吸う

X-mas 刀ピー Midnight 俺ら独走

マジでいまもう一泊もう一泊

お前がいいならもう一泊もう一泊

X-mas 刀ピー Midnight 俺ら暴走

マジでいまもう一泊もう一泊

お前がいいならもう一泊もう一泊 Oh yeah！

(いつのまにか年越す)

その前にちょっと待った

部屋に入る時はちゃんとノックして

たまには俺のことをおんぶして

いいね？

君がロフマオとかまけて

どんどんと苛立っている

やっぱ刀ピーよ

もしくはピー刀よ

いえー

X-mas 刀ピー Midnight 心体抱きしめ合った

マジでいま Falling love Falling love

お前と一緒に Falling love Falling love

X-mas 刀ピー Midnight お腹かかえて転げあった

マジでいまもう一泊もう一泊

お前がいいならもう一泊もう一泊ん～

あなたの言葉の通り

やっぱりぼくはキモい

認めざるを得ない

早く訴えてほしい

法廷で会いましょう

そして示談で片付けましょう

周り巻き込む2人の大騒動

年に一度の続編待望の

X-mas 刀ピー Midnight 俺ら独走

マジでいまもう一泊もう一泊

お前がいいならもう一泊もう一泊

X-mas 刀ピー Midnight 俺ら暴走

マジでいまもう一泊もう一泊

お前がいいならもう一泊もう一泊

消してリライトして

👼♨️YUKEMURI LAB、次回もお楽しみに......

2021-06-25

オリジナリティなき創造について　

星野源『創造』

♨️いや～、これ凄かったですよね......

オリジナリティ | 現代美術用語辞典ver.2.0

👼星野源『創造』ですね。「スーパーマリオブラザーズ」の35周年に合わせたタイアップソングであり、まさに星野源の創造力がいかんなく発揮された素晴らしい楽曲です。彼の思想が伺える歌詞にも注目が集まっていましたね。

♨️本作の歌詞の全文は本人の公式ホームページから読むことができますが、今回とくに注目したいのは以下の部分です。

何か創り出そうぜ　非常識の提案
誰もいない場所から　直接に
独(いち)を創り出そうぜ　そうさYELLOW MAGIC
色褪せぬ　遊びを繰り返して

まずこの歌詞からはっきりとわかるのは、0から1を産み出すのが星野のいう「創造」観なのだということです。

👼「独(いち)を創り出そうぜ」という歌詞の「独」というワードは、「任天堂の第3代社長・山内溥氏が任天堂の目指すべき道として掲げた言葉」である「独創」からとられたものであるんですよね。

www.famitsu.com

リンク先の記事にもあるように、本作の歌詞には他にも色々と「任天堂への無数のオマージュ」が散りばめられています。

♨️そんな任天堂へのリスペクトについては、こちらのインタビューで熱く語っているのを読むことができます。

www.cinra.net

ゲーム機を作るいろんな会社が技術の発展に従ってハイスペックなものを目指すなかで、任天堂はそういう要素も持ちながら、同時に、任天堂にしか持てない視点とアイデアを持って、誰も到達できない、任天堂にしか行けない場所に常に行こうとしてきた。そういうところが、すごくかっこいいなと思います。

👼任天堂だけがもつ独自性に自分の「ものづくり」への姿勢を重ね合わせてるんですね。

♨️また、本作では様々な箇所で『マリオ』シリーズのSE（効果音）が使用されているのですが、なんとそれらはサンプリングされたものではなくいちいち実際にアナログシンセで演奏して再現したうえで使われています。

👼すごすぎる...

♨️なんでわざわざそんな大変なことをしたのかについて、星野は上のインタビューのなかでつぎのように語っています。

ただ持ってきたものを並べるのではなく、キーや音程も含めてしっかり曲に組み込まれてなければいけないと思いましたし、ちゃんと血肉として曲にしたかったので、弾き直しました。こういったことを、公式に全力でできるのが楽しかったですね。なかなかできることではないので（笑）。

これって言い換えると血肉（＝創造）にするには自分らの身体で弾かないといけないし、「ただ持ってきたものを並べる」(＝サンプリング)だけでは血肉（＝創造）にはならないんだということになりますよね。

👼はい。

♨️つうわけで今回のタイトルこれじゃ！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！

👼テンションどうしたんすか...

オリジナリティなき創造について

♨️はい、今回はそういったものとはまた別の創造について考えていく回にしたいと思います。

👼なんかまた壮大なタイトルですねえ...

♨️えー、まず先ほどの星野源の「創造」観ですが、ひとことで「オリジナリティ」という言葉で表せると思います。美術館・アート情報のWebマガジンartscapeによる「オリジナリティ」の解説を以下に短く引用します。

個人の制作物をそのほかの類似品から区別する真性性を重視し、芸術家の制作を自律的で根源的な意味性の発生源、すなわち価値の源泉であるとする考え方。芸術が個人の手になる唯一的で一回的な生産であることを暗黙裡に求め、芸術家の創造性や固有性が細部に至るまで芸術作品に反映されているとされるような価値観のことである。

👼そうした価値観と似てるところでは、以前YUKEMURI LABでも「パッケージング」という言葉を用いて取り扱ったことがありましたよね。

♨️そしてつぎに出した記事では、シティ・ポップにまつわる問題を例に出しつつ音楽においては「イーミック（emic、文化内在的）な部分だけをエティック（etic、文化外在的）な部分から切り分けて楽しむことが原理的にできない」ということを説明したうえで、「音楽の本質とその根本的な意味とは、対象、すなわち音楽作品のなかにあるのではまったくなく、人びとの行為の方にある。」という「ミュージッキング」って概念を紹介しました。

👼「ミュージッキング」という言葉を使うことで、音楽作品だけではなく、作品も含めた様々な一連の行為がひとつの音楽パフォーマンスを形づくるんだ、ということに目を向けられるようになったんでしたね。

♨️でもそういうことって作品だけに注目した場合には不可視になってしまうんですよね。そんなときに「ミュージッキング」という概念を用いることでもっと音楽の豊かさに触れられるんじゃないの！？というのが前回までのおさらいでした。

ミシェル・ド・セルトー『日常的実践のポイエティーク』

♨️さて、いまちょうど「不可視」という言葉を使いましたが、もっぱら「消費者」とされてしまっている民衆が、実際にはどのような「製作」をおこなっているのか。こうした「ひっそりと声もたてず、なかば不可視のもの」(p.19)である民衆の日常的実践について研究した書籍がこちらです。

www.chikumashobo.co.jp

👼お、ミシェル・ド・セルトー『日常的実践のポイエティーク』ですか。今年になって待望だった文庫化がされ大きな話題にもなっていましたよね。

美術のビジュえもん pic.twitter.com/5GYPgLIXDS
— パピヨン本田 (@papiyonhonda) 2021年5月15日

♨️紹介文にもあるように、本書では一貫して民衆が「なんとかやっていく」日常的実践に光が当てられているのですが、著者のセルトーはそうした実践について「戦略」と「戦術」という区分を用いて説明しています。少し長くなりますが以下に引用します。(p.119~p.123)

わたしが戦略とよぶのは、ある意志と権力の主体(企業、軍隊、都市、学術制度など)が周囲から独立してはじめて可能になる力関係の計算(または操作)のことである。こうした戦略が前提にしているのは、自分のもの〔固有のもの〕として境界線をひくことができ、標的とか脅威とかいった外部(客や競争相手、敵、都市周辺の田舎、研究の目標や対象、等々)との関係を管理するための基地にできるような、ある一定の場所である。

(中略)

わたしが戦術とよぶのは、自分のもの〔固有のもの〕をもたないことを特徴とする、計算された行動のことである。ここからが外部と決定できるような境界づけなどまったくできないわけだから、戦術には自律の条件がそなわっていない。戦術にそなわる場所はもっぱら他者の場所だけである。したがって戦術は、自分にとって疎遠な力が決定した法によって編成された土地、他から押しつけられた土地のうえでなんとかやっていかざるをえない。戦術には、身をひき、先を見越しつつ、身構えながら、自分で依って立つということができないのである。それは、フォン・ビューローが語っていたように、「敵の視界内での」動きであり、敵によって管理されている空間内での動きである。(中略) 一瞬さしだされた可能性をのがさずつかむためには、時のいたずらに従わねばならない。所有者の権力の監視のもとにおかれながら、なにかの情況が隙をあたえてくれたら、ここぞとばかり、すかさず利用するのである。戦術は密漁をやるのだ。意表をつくのである。ここと思えばまたあちらという具合にやってゆく。戦術とは奇略である。

要するに、それは弱者の技なのだ。

(中略)

その技はかけ離れた要素でも大胆に組み合わせ、言語というひとつの場のなかで何か別の断片をさしはさんで相手をはっとさせるのだ。それは、システムの碁盤目をよぎってゆくゼブラ模様であり、飛び散る破片であり、一瞬はしる亀裂、あざやかな独創である。消費者たちのもののやりかたは、機知を実践におきかえたその等価物なのである。

👼ここにも「独創」という言葉が出てきましたね。

♨️そうですね。ちょうどいいのでここで最初の星野源『創造』の話とつなげると、星野や任天堂のような血肉(＝自分のもの)を前提とした独創のあり方は「戦略」的であるといえるし、逆に曲を聴いたりゲームをプレイしたりする側には「戦術」的な独創があるんだといえるはずです。

👼それが「消費者」側の独創なのだと。

♨️ちなみに最近だと千鳥がやってるテレビ番組ってそういった日常的実践の独創性にめざとく光を当てたものが多い気がします。その目の付け所の鋭さが千鳥の面白さの核なのかもしれません。

www.asahi.co.jp

dogatch.jp

👼テレビ千鳥の『一周だけバイキング』はわたしも爆笑しながら見ましたね...

中沢新一『ゲームフリークはバグと戯れる―ビデオゲーム「ゼビウス」論』

♨️そんな素晴らしい本を書いたミシェル・ド・セルトーですが、もしまだ現代に生きていたら100％注目したであろうものが「デジタルゲーム」です。

👼確信なんだ...

♨️というわけで、つぎに紹介するのは日本における最初期のデジタルゲーム論の名作といわれるこちらです。

www.amazon.co.jp

👼雪片曲線論のなかに収められている中沢新一『ゲームフリークはバグと戯れる―ビデオゲーム「ゼビウス」論』ですね。元々は1984年6月号の現代思想に寄稿された文章で、元祖縦スクロールシューティングゲームの「ゼビウス」がもつ革新性についてバグを楽しむゲームフリークたちに注目しながら論じています。

ソルバルウ

♨️以下重要箇所を引用します。(p.201~ｐ.203,現代思想)

新しい世代のゲームフリークたちは、『ゼビウス』という傑作をとおして、これまであまり前例がなかったようなビデオゲームの新しい楽しみ方を発見しつつあるのだ。ひととおり高得点をあげることができるようになった子供たちの「敵」は、もはやゼビウス軍ではなくなる。新しいゲームフリークたちの次なる闘いは、このビデオゲームをなりたたせているコンピュータ・プログラムそのものとの間に、くりひろげられることになる。すなわち、「隠れキャラクター」の発見、プログラム中のバグ（虫）やCPU間のデータ転送のプロセスでときたま発生する「怪現象」や「珍現象」の発見などに、ゲームフリークたちの関心はうつってきたのだ。

(中略)

プログラム中に発見されるバグのいくつかをそのまま残したこと（メーカーは新製品のテストに半年から一年をかけてテストプレイをくりかえすので、そのようなバグの存在が気づかれないということはありえない）。ハードウェアにソフトが重圧を加えることによって予期しない「怪現象」が発生する可能性をそのまま温存したこと。『ゼビウス』はまさにこれらの点において、これまでのゲーム・マシンになかった可能性の領域を開いてみせたのである。

👼普通デジタルゲームをプレイするというと与えられた「ルール」や「物語」のなかで楽しむものだと考えがちですが、このころからすでにバグを楽しむような特殊な土壌がつくられていたんですよね。

♨️ぼくは「プログラム中に発見されるバグのいくつかをそのまま残した」という指摘が重要な気がしていて、要するにそれってゲーム開発者がゲームをつくる段階から、すでに自分たちの意図をこえてゲームを楽しむ存在としてゲーマーを意識していたということですよね。これが例えば本だったら読者に誤読される前提で文章を書く人なんていないわけで、デジタルゲーム特有の面白さのひとつだと思います。

ポケットモンスター　ゲームを遊ぶ(play games)／ゲームで遊ぶ(play with games)

♨️さて、ここまで1984年時点での話題でしたが、現代ではゲームとゲームプレイを取り巻く関係はより複雑で面白いものになってきていると思います。そこらへんのことを掘り下げるためにこちらの書籍を紹介します。

genron.co.jp

👼『ゲンロン８特集：ゲームの時代』ですね。「ゲームという新しい技術あるいはメディアは、いかに21世紀を生きるわたしたちの生と認識を規定しているのか。その連関を探る、ゲンロン史上最大の大型特集！」とリンク先の紹介文には書かれています。

♨️なかでも今回取り上げたいのは、p.76からはじまる吉田寛『メタゲーム的リアリズム―批評的プラットフォームとしてのデジタルゲーム』のなかのある一節です。以下に引用します。(P.87)

遊んでいるうちにゲームのなかで新たなルールや遊び方が作られ、いつの間にか別のゲームが始まること。ゲームのルールや設定それ自体が別のゲームの道具として「流用」されること。これらはゲームが遊ばれるときには常に生じることであり、デジタルゲームもその例外ではない。

(中略)

さらにこの文脈で参照できるのは、ジェームス・ニューマンが説いた「ゲームを遊ぶ」と「ゲームで遊ぶ」の概念的区別である。彼は『ビデオゲームで遊ぶ』(2008年,未邦訳)で「ゲームを遊ぶ(play games)」と「ゲームで遊ぶ(play with games)」を区別し、後者を「単にゲームを遊ぶことをこえてゲームを使うこと」と定義した。彼は「ゲームで遊ぶ」という視点に立って「ゲームプレイをとり囲み支える高度な生産的活動の拡がりや、ビデオゲームを改造、変形、翻案、意味付け、理解することの予期できない創造的作用を可視化する」ことに成功した。彼がそこで考察したインターネット上の攻略サイトや質問サイト、プレイ実況動画の配信や閲覧、チート行為やコピー行為は、「ゲームを遊ぶ」ことに劣らぬ重要性をもつのだ。

👼なるほど、面白いです。さきほどのミシェル・ド・セルトー『日常的実践のポイエティーク』の文章に照らして考えてみると、プレイ実況動画は本来なら不可視であるはずだった消費者側による創造が映像になって残っているんだ、と考えてみることもできそうですね。

♨️そして、そんな「ゲームで遊ぶ(play with games)」のひとつの例としてとりわけユニークなのが「温泉マークのオートチューン実況」です。

t.co

👼清々しいまでの我田引水ですね。

♨️ではつぎの動画をご覧ください。

オートチューンというか...大悲鳴ですね...... pic.twitter.com/Xj2gc2ZUr6
— ♨️ (@ngo750750750) 2021年4月19日

👼ドンキーコング2でパニックになっている実況の声にオートチューンがかかりまくって音楽のようになっていますが...

♨️そう、つまり温泉マークのオートチューン実況にはゲームプレイ自体とは別に実況の声にオートチューンをかけることによってただのリアクションが音楽的になってしまうという面白さがあるんです。

👼ドンキーコング2というゲームを流用して別の遊びをしているんだ、と。というか、オートチューンだって本来ボーカルのピッチのズレを補正するための音楽ソフトなので、そっちも流用ですよね。

dic.nicovideo.jp

♨️これはまさに「ゲームで遊ぶ」の典型例のひとつだといえますよね。さあ読者のみんな、チャンネル登録をお願いします!

👼ここぞとばかりに宣伝を......

ksym『NKODICEが軽く炎上した件（前編）』

♨️続けて「ゲームで遊ぶ(play with games)」の例として紹介したいのがこちらの記事です。

👼ksym『NKODICEが軽く炎上した件（前編）』ですね。『NKODICE』というゲームのVTuberによる二次創作を巡った炎上について、経緯と作者本人の想いがまとめられています。「ゲームで遊ぶ(play with games)」ということがいかにゲーム開発者を傷つける危険を孕んでいるかがよくわかる例になっていますね。

♨️これのやばいところって、ゲーム開発者による一次創作とそれを基にしたVTuberによる二次創作の力関係が逆転しちゃってるところだと思います。『日常的実践のポイエティーク』では、ある対象の消費者は常に「他から押しつけられた土地のうえでなんとかやっていかざるをえない」弱者として描かれていました。しかし、いまや二次創作という力を手に入れた消費者は、一次創作である製作者側よりも力をもっている場合がある。

👼それでいったら星野源「#うちで踊ろう」に安倍晋三が文脈をまったく無視して政治利用のためだけにコラボ(？)してきた事件も思い出しますよね。

友達と会えない。飲み会もできない。
ただ、皆さんのこうした行動によって、多くの命が確実に救われています。そして、今この瞬間も、過酷を極める現場で奮闘して下さっている、医療従事者の皆さんの負担の軽減につながります。お一人お一人のご協力に、心より感謝申し上げます。 pic.twitter.com/VEq1P7EvnL
— 安倍晋三 (@AbeShinzo) 2020年4月12日

♨️これ、本当にすごい嫌だったでしょうね....。この「#うちで踊ろう」の一件があったからこそ冒頭の星野源『創造』の歌詞がああいった内容になったところも、もしかしたらあるのかもしれません。

大和田俊之『テクノロジーとアメリカ音楽』

♨️で、ここまでのトピックを踏まえたうえで紹介したいのがこちらの書籍です。

artespublishing.com

👼大和田俊之(編)『ポップ・ミュージックを語る10の視点』ですね。タイトル通り現在のポップ・ミュージックについて色んなすごい人が色んな視点から語っているすごい本です。

♨️今回取り上げたいのは、そのなかでも大和田俊之『テクノロジーとアメリカ音楽　アフロフューチャリズム、ゲーム音楽、YMO』(p.11~p.33)です。こちらの文章では、音楽と「機械（テクノロジー）」の関係性に着目しながら、最終的には黒人やアジア人を含む「アフロ＝アジア文化圏には共通する音楽的志向性があるのではないか」(p.26)という仮説を提示しています。

👼温泉マークさんといえば「オートチューン」ですが、この文章の冒頭でもオートチューンのことが取り上げられていますね。T-Pain『Chopped N Screwed Feat. Ludacris』、Lil Wayne『Lollipop』、Kanye West 『808s & Heartbreak』と、2008年ごろにアメリカでオートチューンを使用した楽曲が流行っていたことを示しながら、逆に直球のオートチューンディス曲Jay-Z『D.O.A. (Death of Auto-Tune)』がリリースされるなど激しいバッシングの声もあったことが言及されています。ここらへんのトピックはNetflixのシリーズで最近(2021年)配信された『This is Pop：ポップスの進化』というドキュメンタリー番組のオートチューン回でも言及されていましたね。

www.netflix.com

♨️そういったバッシングがあることについて、大和田はつぎのように分析しています。(p.18)

歌手はプロフェッショナルとして自らの身体、声を駆使して上手に歌わなくてはならないという規範意識がアメリカには強くあるように思えます。

そうした風潮のなかで、オートチューンのような機械を使った表現は、歌手＝歌うプロが「ずるをしている」「ごまかしている」とみなされる。

👼機械に頼らず歌いあげてこそ一人前ということですね。

♨️そして、大和田はこの流れを受けて、アフロフューチャリズムや日本のゲーム音楽について取り上げつつ、アフロ＝アジアの音楽におけるテクノロジー表象との強い親和性を指摘しています。(p.27~ｐ.29)

もし西洋近代が「人間」という強固な概念を生み出し、黒人やアジア人がその周縁に位置するとすれば、そのマージナルなアフロ=アジア文化圏の人たちはテクノロジーに対してよりヴァルネラブル(vulnerable)な側面を持つといえるのではないかと思います。ヴァルネラブルとは「脆い、傷つきやすい」という意味ですが、「人間」という強固な概念がヨーロッパほどには浸透していないので、アフロ=アジア圏における「人間」はテクノロジーの影響を受けやすいのだと。これはもちろんネガティブな意味だけではありません。

(中略)

90年代にはテクノ・オリエンタリズムという言葉も現れましたが、それはYMOのパフォーマンスにこそ適用できる概念であることはいうまでもありません。無表情な日本人がステージ上でクリック音にあわせてドラムを叩いている姿は、いわば「機械に隷従する人間」のイメージを過不足なく表しているといえるでしょう。

(中略)

抑圧の構造を所与のものとして受け入れた上で、その抑圧の一端を担うテクノロジーに精通することで抑圧者に一矢報いる機会を虎視眈々とうかがう。これはまぎれもなく敗者／被抑圧者の戦略であり、ここから一定の表現の形式と美学が生まれるといえるでしょう。

👼「人間」という強固な概念をもつ西洋近代と、抑圧の構造を受け入れた上で抑圧者に一矢報いる機会をうかがうアフロ=アジア圏の対比。わりとそのまま『日常的実践のポイエティーク』における「戦略」と「戦術」の対比に置き替えられる気がしますね。

♨️生歌が戦略ならオートチューンは戦術なんですよ。というかヒップホップという音楽ジャンル自体がそうですよね。『This is Pop：ポップスの進化』のオートチューン回でミュージシャン・作家として紹介されているJACE CLAYTONもつぎのような指摘をしていました。

電子音楽は装置の誤った使い方により進化した

DJはターンテーブルを別の方法で使い

おもしろい効果やパフォーマンスを生んだ

オートチューンも本来の使い方をやめた時

創造性の種に

👼たしかにヒップホップって「ブレイクビーツ」の発明を考えれば「ゲームで遊ぶ(play with games)」ように「音楽で遊ぶ(play with music)」ことで生まれたジャンルですもんね。

block.fm

おわりに

♨️で、ここまで話してきたうえでもう一度ミシェル・ド・セルトー『日常的実践のポイエティーク』を振り返りたいんですけど、あれが前提としていたものって押しつけられた秩序(一次創作)と消費者の対比であって、消費者側の創造は不可視のものとされていたわけじゃないですか。でもいまって状況が全然変わっていて、それは広く一般に「二次創作」という形で世の中に溢れているんじゃないかと思うんです。

👼本来消費とみなされていたようなものが二次創作に取って代わられる社会がきているということですね。#うちで踊ろうやNKODICE事件にもあったように、そういった状況で作者個人の権利がどう守られるべきかという問題にもつながってきそうな指摘です。

♨️だからこそ、まずは「二次創作」のような独創にちゃんと向き合うこと。オリジナリティという色眼鏡を外して、そこで本当に起こっていること、オリジナリティなき創造に目を向けることが大事なんじゃないかとぼくは思います。

👼じゃあまあ今日はこんなところですかね。えー、では最後に、プレイステーション用レースゲーム『R4 RIDGE RACER TYPE 4』のサントラ曲『Move Me』がサンプリングされていることでおなじみの、JPEGMAFIA『BALD!』を聴いてお別れしましょう。みなさん、ここまで読んでいただきありがとうございました！

👼♨️YUKEMURI LAB、次回もお楽しみに......

2021-03-14

（聴覚体験としてだけではなく）音楽を聴くこと、理解することについて

音楽ミュージッキング

かき氷の味にまつわる例の話

♨️かき氷の話してもいいですか？

👼え...？

♨️ということでこちらの記事をご覧ください。

www.j-cast.com

👼よく話に聞く「かき氷の味、実は全部同じ」ってやつですね。

♨️記事の中の重要な部分を以下に引用します。

味の錯覚などを研究している東京大学大学院情報理工学系研究科助教の鳴海拓志さんは、かき氷シロップは着色料と香料以外ほとんど同じ原料だと話した上で、「見た目」（視覚）と「匂い」（嗅覚）が味に及ぼす影響の大きさを指摘した。

どちらかが欠けても味に大きな変化をもたらすらしく、「かき氷シロップが無色透明だと匂いを変えても、いちご味かメロン味か、レモン味かは分からないと思います」という。

脳は食べ物の「見た目」と「匂い」のマッチングで味を判断している。外国や異文化の食べ物が苦手だと感じてしまう理由は「見た目とニオイが食べる前に想像していたものとかけ離れているから」だという。

ただ、こうした仕組みはあまり知られていないようで、「（かき氷シロップの例は）講演などで話すと『今まで騙されていたのか』とショックを受ける人が多いです」と明かす。

鳴海さんは現在、「Meta Cookie」（メタクッキー）という研究にも取り組む。バタークッキーでも、チョコレートの見た目と匂いを加えれば、食べた時にチョコレートクッキーの味がすることを発見した。

すべては「脳が引き起こす錯覚」なのだという。

👼食べ物の味というと、ぼくらはどうしても舌だけで判断しているように考えがちですが、実際はそういうわけではないんだと。

佐々木正人『アフォーダンス入門』

♨️ただ、ぼくはこの記事での『すべては「脳が引き起こす錯覚」なのだ』という結論には違和感を持っていて、そこらへんについて考えを掘り下げるためにおすすめしたいのがこちらの書籍です。

bookclub.kodansha.co.jp

👼佐々木正人『アフォーダンス入門』ですね。生態心理学者のギブソンか提唱した「アフォーダンス」についてめちゃくちゃ易しく紹介している代表的な入門書です。（全然音楽の話にならないな...）

♨️まず、アフォーダンスについて簡単に説明している箇所を引用します。(p.72~p.73)

ギブソンの造語アフォーダンス(affordance)は、「環境が動物に提供するもの、用意したり備えたりするもの」であり、それはぼくらを取り囲んでいるところに潜んでいる意味である。ぼくら動物の行為の「リソース(資源)」になることである。動物の行為はアフォーダンスを利用することで可能になり、アフォーダンスを利用することで進化してきた。

たとえばギブソンはこんなふうにいう。

「陸地の表面がほぼ水平で、平坦で、十分な広がりをもっていて、その材質が堅いならば、その表面は(動物の身体を)支えることをアフォードする」、「我々は、それを土台、地面、あるいは床とよぶ。それは、その上に立つことができるものであり四足動物や二足動物に直立姿勢をゆるす」。つまりぼくらが地面とよぶところにあるのは「土」や「岩」という名前がつけられているが、それらは動物にとっては身体を「支持する」、その上を「移動する」などのアフォーダンスであるというわけだ。

👼そういったアフォーダンスを探り、利用するためにぼくらは眼や耳などの「知覚の器官」を発展させてきたというわけですね。

♨️そして、『アフォーダンス入門』の後半では、それら「知覚の器官」がいかに相互に関係をもち、複雑な世界の情報を獲得しているのかに焦点が当てられていきます。以下に引用します。(p.193~p.196)

視ることに音が加わったとき、視覚情報がどのように変わるのか、二〇世紀のぼくらは「サイレント・ムービー」が音つきの「トーキー」に変わることで体験した。音が加わることで、映画の視覚的構築も質的に変わったのだ。同じようなシステム間の関係の本質的な変化が新しい知覚システムの発生の時には起こっている。

人間の眼を中心とする視るシステムは、最初から今のようなシステムではなかった。耳を中心とする聴くシステムや、接触のシステムなど、他のシステムとの関係で、その働きも構造も変更してきたはずだ。

(中略)

知覚のシステムも世界にある情報の複雑さに応じて、どこまでも関係し合って変化している。知覚のための多数の器官とアフォーダンスとの関わりについて考えるとき、ぼくらはそこには個々の知覚システムが利用している情報のシンプルさをまず見てしまう。しかし炎に実際にあることは光と音と化学的放散などの複雑な関係の織物であり、炎はたとえば視覚の器官をもたない動物にとっても、やはり複雑な炎なのである。光を欠くことでその複雑さがまったく失われてしまうわけではない。

👼「炎はたとえば視覚の器官をもたない動物にとっても、やはり複雑な炎なのである」とありますが、「眼を中心とする視るシステム」にすっかり浸かりきった私たちはついそのことを見落としてしまいがちですよね。伊藤亜紗『目の見えない人は世界をどう見ているのか』や『手の倫理』を読んでもそういったことを思い知らされますが...

https://musicologyosaka.wordpress.com/2020/10/28/gakuho1617/

bookclub.kodansha.co.jp

♨️で、ここで冒頭のかき氷の記事での結論について再考すると、あれで明らかになるのは「脳が引き起こす錯覚」ではなく、食べ物という複雑な情報を味わうときにぼくらは舌だけを頼りにしているわけではないということです。

間メディア的な芸術としての音楽

♨️以上のことを踏まえたうえで音楽をひとつのアフォーダンスだとすると、そこで起こっていることは、やはり耳という聴覚の器官だけで捉えられることよりもはるかに複雑なんだといえると思います。

👼あまり日常で考えることはない視点ですね...

♨️そういったところだと、例えばポップ・ミュージックの間メディア性に着目してシティ・ポップというジャンルについて論じた、『阪大音楽学報』16・17号合併号のモーリッツ・ソメ『ポピュラー音楽のジャンル概念における間メディア性と言説的構築——「ジャパニーズ・シティ・ポップ」を事例に——』はめちゃくちゃ面白かったですね。

また、同誌に掲載されている加藤賢『〈書評論文〉「シティ」たらしめるものは何か？：シティ・ポップ研究の現状と展望』では上の論文の内容が分かりやすく解説されています。以下に引用します。

「間メディア性」の視点を踏まえてソメは、楽曲の構造や演奏方法など「楽曲」それ自体のイーミック（emic、文化内在的）な特徴以上に、アートワークのデザインやミュージシャンのファッション、帯に書かれたキャッチコピー、広告とその掲載媒体、そして音楽ジャーナリストによる雑誌記事などといった、エティック（etic、文化外在的）な記号群の相互作用が、ポピュラー音楽のジャンル同定に強い影響を及ぼすことを指摘する。すなわち1970 年代の「シティ・ミュージック」と 1980 年代のオリジナル「シティ・ポップ（ス）」、2000 年代にディスク・ガイドや DJ たちの実践を通して再定義された「シティ・ポップ」、そして cero などに代表される 2010 年代の「ネオ・シティ・ポップ」は同一のジャンルとして、そうでなくとも地続きのファミリー・ツリーとしてこんにち強く認識されているが、楽曲それ自体だけを見れば音楽性は多種多様である。にもかかわらず「シティ」というキーワードのもと、それらが統合されている（ように理解される）のは、楽曲をとりまく視覚的、聴覚的、テキスト的記号が、外部からそれらを「シティ」の文脈へ組み入れる役割を果たしているからにほかならない。とりわけ音楽ジャーナリストによる系譜的な語り（narrative）は、その亀裂や矛盾、相違点、例外的要素などを巧みに補修し、ときに隠蔽することによって、こうした作品群を１つのジャンルへ統合する。

👼なるほど、間メディア性という視点をもつことで、音楽性がバラバラなように思えたシティ・ポップというジャンルの一貫性が見えてくるんですね。これはたしかに魅力的な視点です。

ポケットモンスター　イーミック（emic、文化内在的）／エティック（etic、文化外在的）

♨️で、ここでぼくらが少し考えたいのは、例えばあるシティ・ポップの作品を聴いたときに、その作品のイーミック（emic、文化内在的）な部分と外部としてのエティック（etic、文化外在的）な部分って音楽体験としては分けられなくないですか？ということです。

👼うーん...まあたしかにそうですね...。例えば、ある曲を聴いて最初は微妙に感じていても、好きな音楽ライターのレビューを読んでから聴き返すと全く違った輝きを放って聴こえてくるということは普段からよくあります。逆にいいと思った曲もSNSで叩かれているのを読むうちにそんなによく感じられなくなったり...

♨️つまり、音楽を聴く側としてのぼくらは、イーミック（emic、文化内在的）な部分だけをエティック（etic、文化外在的）な部分から切り分けて楽しむことが原理的にできないんですよ。ぼくらがかき氷を食べるとき味覚だけで判断してると思っていても、必ず視覚と嗅覚の影響を受けてしまうのと同じです。音だけが音楽体験をアフォードしているわけではないんです。

クリストファー・スモール『ミュージッキング』

♨️で、これって逆にいうと、音楽＝作品としたときに事後的にイーミテックとエティックという区分けが要請されているんだということだと思うんですよね。先ほど引用した文章では、「アートワークのデザインやミュージシャンのファッション、帯に書かれたキャッチコピー、広告とその掲載媒体、そして音楽ジャーナリストによる雑誌記事など」は、エティックな要素として外部化されていましたが、本来外に置くべきものなのか？という疑問がここで沸いてくるわけです。

👼ふうむ...

♨️そうした疑問に対して、「音楽の本質とその根本的な意味とは、対象、すなわち音楽作品のなかにあるのではまったくなく、人びとの行為の方にある。」(p.29)と説明してぼくを感動の渦に叩き込んだ著作がつぎに紹介するこちらです。

👼クリストファー・スモール『ミュージッキング音楽は〈行為〉である』ですね。タイトルどおり、音楽の本質は作品や楽譜ではなく、それを実践する行為のほうにあるという持論が全編にわたって繰り広げられています。

♨️まず、本書の主張の基礎になるミュージッキングについての説明を引用します。(p.30~p.32)

「音楽する(ミュージッキング)」とは、どんな立場からであれ音楽的なパフォーマンスに参加することであり、これには演奏することも聴くことも、リハーサルや練習も、パフォーマンスのための素材を提供すること(つまり作曲)も、ダンスも含まれる。私たちはこれに、チケットのもぎりや、ピアノやドラムのような重たい楽器を動かすたくましい男たち、はたまた楽器をセットアップしたりサウンドチェックをするローディーたち、それから、パフォーマンスの場から人がはけた後で活躍する掃除夫を含めることすらできる。なぜなら、かれらも音楽パフォーマンスという出来事に、本来、貢献しているからだ。

(中略)

「音楽する」という動詞を使うことは、これらすべての様々な行為が一緒になって初めて、ある一つの出来事が形づくられるのだということを、私たちに思い出させてくれる。この概念的な道具を使って初めて、全体としての出来事が生み出す意味の探求を開始できるのだ。

👼なるほど、このミュージッキングという言葉を使うことで、自然とエティック（etic、文化外在的）なものも含めて音楽というものを考えられるということですね。

♨️というわけで、本書では一貫して「音楽パフォーマンスという出来事」に目が向けられていくのですが、そんな著者は音楽パフォーマンスについて次のように断言しています。(p.256~p.258)

すべての音楽パフォーマンスは、特定の歴史的状況における特定の社会集団——その規模が大きいか小さいか、支配者か被支配者か、豊かか貧しいかに関わらず——の価値を表現する。

(中略)

音楽パフォーマンスに参加するすべての人は、自分たち自身に、参加者同士に、周囲のすべての人びとに向かって、「これが私たちなのだ This is who we are」と言っているのに等しい。

(中略)

しかし同時に、「私たちが何者なのか」は、一人ひとりの「私は何者なのか who I am」という観念によっても成り立っている。そして先にも述べたように、私たちの誰もが同時にいくつもの社会集団に属しているのだから、どの(誰の)価値観を採用して、どの関係を理想とするかには、ある程度の選択の余地がある。だから、「私は何者なのか」ということは、そんなに簡単には決められない。——パフォーマンスのある文脈で個人が何者であるかは、彼/彼女が何を選択するか、自分自身がどうありたいと想像するかによっても、変わってくる。だから、「私たちは何者であるか」とは「私たちはどうつながるのか how we relate」ということに他ならない。そして、音楽パフォーマンスによって表現される関係は、実在するものというよりは、ミュージッキングの参加者がそうあって欲しいと願う関係なのだ。

👼ふむ、主張の妥当性はともかく、自分の経験に置き換えてみても思い当たる節はかなりある指摘ですね。

hyperpopというミュージッキング

♨️そこで、以上の主張を踏まえながら読んでいきたいのがこちらの記事です。

👼namahoge『パンデミック下に狂い咲く、破壊と越境の音楽「hyperpop」とは何か？』ですね。トラップの文法を下敷きとしながらEDMやフューチャーベースといったダンスミュージックの過剰なポップネスを吸収し、エモラップやロックのテクスチャーをも取り入れた新しい音楽シーン「hyperpop」について、盛り上がりの経緯からカテゴライズにまつわる論争まで網羅された素晴らしい記事です。

♨️なかでも今回注目したいのは、後半の「『hyperpop』のカテゴライズ闘争」と「『hyperpop』とクィアの精神」の章です。ここでは、あるプレイリストがきっかけとなって、hyperpopのジャンル化・歴史化の動きに対する批判の声が広がったことが書かれています。そして、筆者はこうした批判が起きた要因として、hyperpopアーティストの性自認に焦点を当てていきます。

最初に言及したように、hyperpopのシーンで活躍するアーティストには、LGBTQ+に属する性自認を公言しているアーティストが多い。

本稿で紹介した中でも、fraxiom、Iguana Alana、100 gecsの一人Laura Les、osquinn、SOPHIEと多くの名が挙がるのは、決して意図的な操作ではない。クィアのアーティストがhyperpop独自の世界観を築いてきたのだ。

(中略)

手法それ自体が「hyperpop」か否かを規定するようになれば、ジェンダーレスな文脈をアンダーグラウンドに追いやって、そもそもが志向する越境性を閉じ込めることになる。

そうした事態への危惧が、ジャンル化、つまり技術的なレギュレーションを獲得することへの恐れになっているのだ。

👼なるほど、「ジャンル」だったり「歴史」だったりといったカテゴライズ自体がhyperpopがもつイデオロギーには合わないと。

♨️で、そういったカテゴライズができないときに、じゃあ結局hyperpopって何？と聞かれたら、それはあるミュージッキングにつけられた名前なんだと答えるのが一番すっきりすると思うんですよね。

👼たしかに、楽曲の構造の外の要素も含めた音楽シーンについて語るときに、ミュージッキングという言葉はとても便利に使うことができますね。音楽をよりよく理解するのに大変役立つ概念です。

♨️ひとつの音楽シーンについて考えるときにミュージッキングという視点をもつことが、楽曲の構造を捉えるのとは別の意味でその音楽性を理解することにつながる、というのはhyperpopに限らずどのジャンルにおいてもあると思います。

耳が聞こえない人は音楽をどう聴いているのか

♨️さて、ここで次に取り上げたいのがこちらの記事です。

rockinon.com

現在北アメリカ・ツアーを敢行しているチャンス・ザ・ラッパーだが、ツアーの途中から自身のパフォーマンスに手話通訳者を同行させ、話題となっている。

アメリカのフェスティバルでは参加者への指示や連絡などの際に手話通訳者がステージに登場することも少なくないという。

しかし今回のチャンスのツアーの場合には、パフォーマンスのライムの内容についての手話通訳者であり、「MTV」によるとこれは今までにほとんどなかった試みだという。

手話を担当しているのはジョージア州アトランタを拠点にする「DEAFinitely Dope（デフニトリー・ドープ）」という手話通訳グループで、特にヒップホップとR&Bの内容を聴覚障害者に伝えることを目的の一つとして活動している団体だ。

👼へえー、そういえばあんまり日本のフェスでは見かけることってないですよね、手話通訳って。

♨️ここで紹介されてるのが「DEAFinitely Dope（デフニトリー・ドープ）」っていう手話通訳グループなんですけど、試しに公式サイトを覗いてみたらA$AP Rocky『Praise The Lord (Da Shine) ft. Skepta』を手話でパフォーマンスしているMVをアップしてまして......

www.youtube.com

どう？めっちゃくちゃかっこよくないですか！？

👼かっこいいですね...

♨️ぼくらは、ここまでアフォーダンスだとか間メディアだとかミュージッキングだとかいう言葉を使い、聴覚体験としてだけではないものとして音楽を理解することについて考えを深めてきました。そこで考えたいのは、そもそも音楽って耳が聞こえる人だけの特権なのか？耳が聞こえない人は音楽をどう聴いているのか？ということです。

👼まあ、一概に耳が聞こえないといっても色んなパターンがありますけどね。

15ページ漫画「きこえにくい映画とお笑いの話」
（1～4p） pic.twitter.com/rGqqjW0mjl
— 藤岡拓太郎 (@f_takutaro) 2021年3月2日

♨️いまの発言の元になったのが先ほども一度出てきた伊藤亜紗『目の見えない人は世界をどう見ているのか』です。で、この本のまえがきを読むと次のように書かれています。(p.5)

私たちはついつい目でとらえた世界がすべてだと思い込んでしまいます。本当は、耳でとらえた世界や、手でとらえた世界もあっていいはずです。物理的には同じ物や空間でも、目でアプローチするのと、目以外の手段でアプローチするのでは、全く異なる相貌が表れてきます。けれども私たちの多くは、目に頼るあまり、そうした「世界の別の顔」を見逃しています。

視覚のことを前提に書かれた文章ですが、目を耳に、世界を音楽に置き換えてもみても通じる話だと思います。音楽＝聴覚という、「器官と能力の結びつきをほぐすこと」(p.112)ではじめて見えてくる音楽の豊かさってぜったいあると思うんですよね。

👼なるほど、これからますます音楽を「聴く」のが楽しくなっていきそうです。では、今日はここらへんで......みなさん、読んでいただきありがとうございました！

👼♨️YUKEMURI LAB、次回もお楽しみに......

2020-12-07

👼と♨️が2020年の音楽を楽しく振り返る回

マンガ音楽芸術

ポケットモンスター　インプロヴィゼーション（即興）／ポスト・プロダクション（編集）

👼はやいもので今年も残りわずかとなりましたね。というわけで、今回は2020年の音楽をどしどし振り返っていこうと思います。

♨️でもぶっちゃけ数ヶ月ならともかく今年の初めごろの記憶なんてもう一切ないですよね。

👼頑張って思い出してください...

♨️まあちょっとTwitterでの自分のツイを頼りになんとか思い返してみますが...えっと、まず2020年に入って最初に食いついたのがJeff Parker『Suite for Max Brown』でした。

Jeff Parkerの「Suite for Max Brown」をApple Musicで

https://intlanthem.bandcamp.com/album/suite-for-max-brown

👼これめちゃくちゃいいですよね。様々な楽器をプレイし、ポスト・プロダクションの段階でそれを大胆に改変したという本作はJAZZからヒップホップまで多彩な音楽性を覗かせる非常に面白い内容になっています。こちらに詳しいレビューが載っていますね。

ジェフ・パーカー（Jeff Parker）『Suite For Max Brown』ジャズとヒップホップの優しい同居母に捧げた素晴らしき新作 | Mikiki

♨️即興演奏とパーカーが愛するヒップホップ的なポスト・プロダクションの幸福な同居がここにはある。と記事のなかでも書かれていますが、ここで言われているような演奏とポスト・プロダクションの対比は今後このブログのひとつのテーマになるような気がしています。

👼そういった流れだとKassa Overall『I THINK I'M GOOD』も面白かったですよね。

Kassa Overallの「I THINK I'M GOOD」をApple Musicで

https://kassaoverall.bandcamp.com/album/i-think-im-good

このアルバムもJAZZの即興性とヒップホップの要素が混然一体となったような作品でした。

♨️Kassa Overallは『Jazz The New Chapter 6』でのインタビューも面白かったですね。

www.shinko-music.co.jp

特に興味深かったのが６曲目「Show Me a Prison」が出来上がるまでについて語った部分です。以下に少しだけ引用します。

まず最初にこの曲をライヴでやった時は全部即興だったんだ。そのライヴの録音を切り刻んで作った音源をベースに、また別のバンドとライヴで、即興でやって、（中略）だからあの曲は4、5回のセッションからできたもの。しかもレコーディング前に複数回ライヴで観客を前にしてやってる。何がうまくいって何がダメか知るためにパフォーマンスをマーケット調査のように使うことがあるんだよ

つまり、彼は曲づくりのプロセスにライヴパフォーマンスを据えることで、即興演奏とポスト・プロダクションがまるで振り子のような関係になっているんですね。

👼なるほど、本作が生演奏の部分もそうでない部分も等価に肉体性を伴って響いてくるような感じがするのはおそらくそういった創作のプロセスによるところが大きいのかもしれませんね。下の記事でも、「トータスのようなポスト・プロダクションの要素と肉体的な要素が、かなり高次元で混ざっている。」と書かれています。

カッサ・オーバーオール（Kassa Overall）はジャズ × ヒップホップの革命児だ。TAMTAM高橋アフィが徹底解説 | Mikiki

♨️トータス！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！！

👼声でかっ...びっくりした...

Tortoise『TNT』にめちゃくちゃハマる

♨️でも、まじで今年いちばんの衝撃ってTortoise『TNT』だといっても過言ではないんですよね。どうやら元々有名なバンドだったみたいですが...

Tortoiseの「TNT」をApple Musicで

https://tortoise.bandcamp.com/album/tnt

👼Tortoise『TNT』は1998年にリリースされた彼らの代表作ですね（はやくも全然2020年の作品ではなくなってしまいましたが笑）。アルバムの完成度だけでなくその制作方法にも注目が集まった作品で、試しに当時のサンレコのレビューを読んでみると次のように書かれています。

リットーミュージック雑誌バックナンバー目次一覧：サウンド＆レコーディング・マガジン＞1998年03月号

レコーディング、リミックス、編集といった作業すべてが曲作りそのものになるような形で、10ヶ月もの期間を費やしてハード・ディスク・レコーディングされた本作は、大胆というよりはむしろ繊細なアレンジと構成が印象的だ。新たに導入されたストリングス、ウッド・ウィンド、ブラスといった楽器群や、サポートから正式メンバーになったジャズ畑出身のジェフ・パーカー(g)のプレイなどにより時として往年のカンタベリー系を思わせる曲もあるかと思えば、サントラ調〜ジャーマン系〜最近のステレオラブにも通じるソフト・タッチのドラムンベース等と、バラエティに富みつつも一貫した感じをノン・ストップ感覚で仕上げている。

♨️要するにハード・ディスク・レコーディング(HDR)を用いることでアルバム制作全体にポスト・プロダクションを導入し、見事大成功したのが彼らなんですよね。

👼ちなみに今年の2月にはなんと来日公演もあったようで、それについてはこちらのブログ記事が面白かったのでぜひ読んでみてください。

ライブ感想 Tortoise / Performing ''TNT'' & Greatest Hits ～『TNT』とは？ - WITHOUT SOUNDS

♨️個人的には「バラエティに富みつつも一貫した感じをノン・ストップ感覚で仕上げている」という点がけっこう良さのポイントな気がしてて、その共通点で繋げて考えられそうなのがdraag me『i am gambling with my life』です。

draag meの「I Am Gambling With My Life」をApple Musicで

https://draagme.bandcamp.com/album/i-am-gambling-with-my-life

👼draag meに関してはもはや「ノン・ストップ感覚で仕上げていることでギリギリ一貫性を保ってる」という感じですよね。“chillwave, rap beats, punk, and more”とpitchforkにもありますが、chillwaveっぽいサウンドだと思っていたら急に不穏な雰囲気に変わってハードコア・パンクが鳴り響きだしたり予測のつかない展開が作品の魅力になっています。

♨️そういえば、批評家の伏見瞬がOPN『Magic Oneohtrix Point Never』（MOPN）について語った記事で、MOPNについて「楽曲の断片性と壊れたラジオの持続性が両立する」と表現していました。

rollingstonejapan.com

この言い回しはわりとdraag meの作品にも通用するところかなと思いますね。断片的なビートが楽曲・アルバムという持続性によって繋ぎ合わされるという...

👼そういったところだと、例えばlogin『bitzer』も見事でしたよね。音の抜き差しやエフェクトの使い分けにもすごくセンスを感じさせられました。

loginの「Bitzer」をApple Musicで

♨️あとぼくはこちらの作品にもそういったセンスと共通するものを感じましたね。

www.shonenjump.com

ポケットモンスター　長男／次男

👼チェンソーマンですね。もはや音楽でもないという笑

♨️でもめちゃくちゃ面白いじゃないですか...

👼チェンソーマンはTwitterでもすごく話題になってましたよね。いまの週刊少年ジャンプって定期購読をしてる人なら毎週月曜日深夜0時には最新号が読めるのですが、毎週最速で最新話を読んではTwitterに感想を書き込む人が多すぎて、うっかりTwitterを開くとネタバレをくらいかねないという事態に陥っていました。

♨️ネタバレにはまじで気をつけないといけない...で、なんでこんなにも話題になってたかって、まずひとつは物語の展開のヤバさですよね。かなりの頻度で衝撃的なシーンにぶちあたり、そのたびに読者のみんなが興奮すると。

👼個々のシーンについては言及できないですけど、単行本９巻からはあまりにも辛い出来事が立て続けに起こりましたよね...

♨️しかもそのショッキングな出来事に対して読者側がぜんぜん受け身とれないんですよね。で、自分なりになんでこんなに衝撃を受けちゃうのか考えてみたんですけど、おそらくコマとコマの飛距離の長さがあると思うんですよ。Twitterでも次のようにツイートしてますが...

チェンソーマンは普通ならコマを複数使ってAからBまでのアクションを描くようなところで一気に一コマでAからBまでジャンプしてしまうところがあるんだよな...動きではなく絵を魅せたがっている...
— ♨️ (@ngo750750750) 2020年11月10日

👼たしかに読んでると時々見開きでびっくりするほど事が進んでますもんね。見せ場で「ドーン！」とやりたい作者の欲望がここで垣間見えるというか...

♨️で、ぼくが重要だと思うのは、そのショッキングなシーンのときってなによりも主人公自身が呆気にとられちゃってるんですよね。さっき読者の受け身のとれなさって言ったけど、ほとんど主人公もまったく受け身がとれてない笑主人公が読者と同じ立場になっちゃってる。

👼あー、なるほど...それって例えば鬼滅の刃の竈門炭治郎とは対照的ですよね。

♨️竈門炭治郎は長男だからね。その点デンジくんは次男坊だから...

👼なるほど...笑

♨️で、ぼくはそこらへんの違いってもしかしたらドゥルーズ『シネマ』あたりにも繋がってくる問題のような気がするんです。というのも最近こちらの本を読んだからなのですが...

filmart.co.jp

これについてはそのうちブログで取り上げられたらと思っています。

Bandcamp Friday

👼Twitterでの盛り上がりといえばBandcamp Fridayも外せないですよね。

avyss-magazine.com

新型コロナウィルス感染拡大の影響を受け、公演などが中止になり、収入が減少したアーティストを支援するプロジェクト「Bandcamp Fridays」は今年3月にスタートした。通常Bandcampでは、デジタル音源の売上から15%、Tシャツなどのマーチャンダイズは10%の手数料を取っているが、このキャンペーンが行われる24時間の間は、その手数料分もアーテイストやレーベルに全て還元されるというもの。

♨️めっちゃ盛り上がりましたよねBandcamp Friday。コロナ禍のなかで数少ないポジティブな取り組みのひとつでした。（というか最新情報では来年の5月まで延長（2月5日、3月5日、4月2日、5月7日に開催）されるようですね）

👼それと6/19にはアメリカ全土で巻き起こるBlack Lives Matterの運動を受け、売り上げの全額を寄付する取り組みもありました。

fnmnl.tv

♨️BLMといえば、こちらの書籍が面白かったですね（まだ読みかけですけど...）。

www.ele-king.net

これ、Moor Motherが表紙っていうことで買ったんですが、巻頭で黒人の音楽評論家であるリロイ・ジョーンズ（アミリ・バラカ）の言葉が印象的に使われててそれがめちゃくちゃかっこいいんですよね。そう思ってたらなんとこの本を買って数日後に寄った古本屋で偶然この人物の書籍が売られてるのを見つけまして。即行で買ってしまいました。

別冊ele-kingで紹介されてて最近気になってたリロイ・ジョーンズ（アミリ・バラカ）の『ブラック・ミュージック』をさっそく古本屋でゲットできたのが本日のハイライト...... https://t.co/5EEk28NTyy pic.twitter.com/7DZ1N8fLPm
— ♨️ (@ngo750750750) 2020年9月19日

以前購入したまま積読になっている野田努『ブラック・マシン・ミュージック』と併せて早く読まないといけない一冊ですね...

👼なるほど、とにかく読んでない本がたくさんあることが大変よく伝わってきました。

多作にも程があるMoor Mother

♨️しかし、別冊ele-kingでのインタビューでも指摘されていましたが、Moor Motherの今年の多作っぷりには目を見張るものがありましたね。

👼Moor Mother ──ムーア・マザーの勢いが止まらない | ele-king

ムーア・マザー名義で知られるCamae Ayewaは、あのアルバム以降、メンバーとして参加しているフリージャズ集団Irreversible Entanglementsのアルバム『Who Sent You? 』を発表、Mental Jewelryとの共作、パンク的展開の『True Opera』のリリース、電子音響家Yattaとの共作『Dial Up』……、そしてジャズ系フルート奏者Nicole Mitchellとのライヴ盤『Live at Le Guess Who』を発表したかと思えば、先月はゲスト参加したNYのヒップホップ・グループ、Armand Hammerのアルバム『Shrines』がリリースされたり、今月に入ってからは『FREE JAZZ FOR THE FREE DOOMED』と、コロナ禍において毎月のように彼女絡みの新作を聴いているような気がする。

これだけ多いとチェック仕切れてない人も多そうです。(FREE JAZZ FOR THE FREE DOOMEDは現在bandcampから姿を消している)

♨️Moor Motherはビートもそうだけどなによりも声が大好きなんですよね。彼女のドスの効いた魔術師のような声そのものが痺れるような音楽体験になっていて、聴いてると限りなく失神に近い覚醒といった感覚になります。これなんかとんでもなかったですよね。

moormother.bandcamp.com

それとArmand Hammer『Shrines』での共演がきっかけで誕生したMoor Mother & billy woods『BRASS』も素晴らしかった。

backwoodzstudioz.com

Pink Siifu『NEGRO』

👼Moor MotherはLAのラッパーPink Siifu『NEGRO』にも客演で参加していましたね。これも凄い作品だった...

ピンク・シーフの「Negro」をApple Musicで

https://ronee.bandcamp.com/album/negro

♨️Pink Siifu『NEGRO』については、このブログの序盤でKassa Overallを解説していたTAMTAM高橋アフィも次のようにツイートで絶賛していました。

bcより。今頃知ったけど今年ベストの一つでは！
ヒップホップとハードコアとノイズとフリーとジャンクが入り混じったエネルギーの塊。まったく聴きやすくは無いけれど、音楽の強さと凄みが素晴らしくて◎！この曲時間も展開も3曲分だな（基本1分
Pink Siifu / ON FIRE, PRAY! https://t.co/DpID9Ki34x
— 高橋アフィ（TAMTAM) (@Tomokuti) 2020年7月31日

そして、Spotifyでは本作をリリースするにあたり彼がインスパイアされた音楽をプレイリストで公開しています。Ras GやSun Ra、Bad Brains、Zeroh、Ho99o9、Liv.eなど大御所から交流のある周辺アーティストまで網羅されていて大変興味深い内容になっていますね。

NEGRO, inspiration on Spotify

👼あとはこちらのインタビューも参考になりましたよね。

hypebeast.com

♨️これ、インタビュー中にはマスタリングを担当したZerohのことが触れられていますね。そういえば彼が今年出したアルバムにも心底度肝を抜かれました。

Zeroh "BLQLYTE" album release @LeavingRecords
LA出身のラッパー兼ビートメーカー: Zeroh (ゼロ)のアルバムがLeaving Recordsよりリリース @_zeroh https://t.co/gBNWasjyJ1
— Stones Throw Japan (@StonesThrowJP) 2020年4月29日

BLQLYTE - Album by Zeroh | Spotify

https://horez.bandcamp.com/album/blqlyte

Zeroh『BLQLYTE』とLAの音楽シーン

👼Zeroh『BLQLYTE』、Matthewdavid率いるLeaving Recordsからのリリースですね。Matthewdavidといえば、いまどっぷりニューエイジ音楽にハマっているようで、今年もこんな作品をリリースしています（ニューエイジといえば、今年は『ニューエイジ・ミュージック・ディスクガイド』なるものがリリースされ話題を集めましたね。）

https://matthewdavidmcq.bandcamp.com/album/care-tracts

♨️Abletonによる2016年のインタビューでは「新しいニュー・エイジについて語る」というタイトルで、M Geddes Gengras、Carlos Niño、Laraajiを紹介していました。

www.ableton.com

Carlos Niñoといえば『Jazz The New Chapter 6』でのインタビューがすごく面白かったですね。

www.shinko-music.co.jp

👼このくだりのデジャヴ感たるや...

♨️でも実際面白かったんですよね。インタビューの前文では「LAのスピリチュアル・ジャズのコミュニティを再提示し、ビート・ミュージックのシーンが生まれる土壌を作り、ニューエイジにのめり込んだ。」とありますが、Zeroh『BLQLYTE』はまさにそういった系譜から育まれたまったく新種の音楽といった感じがあります。

👼これ、たしかに聴いてても凄いことは分かるけど何の理屈で作られてるのかさっぱり分かんないですよね...ぜひ誰かに解説して欲しいものですが...

♨️音響芸術としか言いようがないですよね。サウンドデザインが快楽的すぎる。そして、そんな技術が買われているのか、Pink Siifu『NEGRO』含め今年気に入った作品をみると彼がマスタリングを務めているパターンがいくつか見当たりました。

Liv.eの「Couldn't Wait to Tell You...」をApple Musicで

https://o-liv.bandcamp.com/album/couldnt-wait-to-tell-you

RPBGVの「Bodygizer」をApple Musicで

https://rpbgv.bandcamp.com/album/bodygizer

Caleb Gilesの「Meditations」をApple Musicで

https://calebgiles.bandcamp.com/album/meditations

👼なるほど、Liv.eとRPBGVはテキサス州のレーベルDolfin Recordsのミュージシャンで、Caleb Gilesは過去にStanding On The Cornerにも在籍していたNYのラッパーですね。ここ周辺のシーンはミュージシャン同士の様々な交流とともに現在進行形でかなり盛り上がっているので今後とも注目していきたいところです。

Solange『When I Get Home』参加ミュージシャンらの活躍

♨️さて、先ほどちょっとBLMの話題が出ていましたが、そこでいうと今年の大阪なおみはまじでかっこよかったですよね。

www.bbc.com

で、その流れでぜひ見てほしいのがこちらのCMです。

f:id:ngo750750750:20201207213443p:plain

ほら立ち姿かっこよすぎません？このCM、映像ディレクターを務めたのはBeyoncé『Formation』なども担当したMelina Matsoukasで、音楽を担当したのがあのSolangeです。ちなみにSpotifyによるとぼくは今年めちゃくちゃSolangeを聴いていたみたいです。

ぼくは今年Spotifyでソランジュをよく聴いたリスナーの上位0.05%以内に位置しています pic.twitter.com/w6SO46bp8y
— ♨️ (@ngo750750750) 2020年12月2日

👼Solange『When I Get Home』については前回のブログでも取り上げましたよね。2019年リリースの作品ですが今後もしばらくは聴き続けることになりそうです。

♨️そして、今年は『When I Get Home』に参加したミュージシャンがそれぞれ素晴らしい新曲や新譜をリリースしましたね。

Standing On The Cornerの"Angel"をApple Musicで

https://standingonthecorner.bandcamp.com/track/angel

John Carroll Kirbyの「My Garden」をApple Musicで

https://johncarrollkirby.bandcamp.com/album/my-garden

Chassolの「Ludi」をApple Musicで

https://chassol.bandcamp.com/album/ludi

なかでも今年のChassolは（全く実現しなかったものの）お笑い芸人のジャルジャルとのコラボでも注目を集めましたよね。

f:id:ngo750750750:20201209214102p:plain

👼いや、ほとんど♨️さんが勝手にTwitterで盛り上がってただけじゃないですか......

ジャルジャル with Chassol

♨️ジャルジャルといえば今年はキングオブコントの優勝でも話題でした。

ジャルジャル、ネタのタネが花開いた！しつこく挑み続けて王者に「KOC」優勝会見（会見レポート） - お笑いナタリー

しかし、ぼくが好きなのはなんといってもM-1グランプリ第13回（2017年）大会での「変な校内放送ゲーム」と第14回（2018年）大会での「国名分けっこ」です。

👼ジャルジャルのゲーム漫才シリーズですね。たしかにこれは面白かった。

♨️そして、なにを隠そうChassol『Ludi』でのテーマも「ゲーム」。ここにまずひとつ共通点があるんですね。『Jazz The New Chapter 6』でのインタビューにそこらへんのことが詳しく書かれていました。

www.shinko-music.co.jp

👼何回そのリンクを貼るんですか...

♨️で、このインタビューのなかでChassolは「同じ映像を反復させていく中でコードを変えることに面白さを感じていて、同じ映像を見るたびに毎回違う何かを感じさせるような表現に関心がある」と述べています。

👼ふむ。

♨️その視点でジャルジャルの『国名分けっこ』をみてみると、例えば「アルゼンチン」というワードをとってみても「アル/ゼンチン」と区切るか「アルゼン/チン」と区切るかで大きく音の響きが変わっていてそれがゲームの強い魅力になっているんですね。同じワードでも区切りによって違うものを感じさせるような表現になっている。つまり、Chassolが同じ映像でコードを変えるのと似たようなことをしてるんですよ。だから絶対Chassolもこの表現に興味をもつと思うんです。

👼なるほど...

♨️ということで、もしぼくが年末ジャンボを当てて大金持ちになったらこれを絶対イベントとして実現させますので、みなさんその際はぜひライブ会場に足を運んでください。

ポスト・プロダクションを強いられたライブ配信

👼これはぜひ実現してほしいところではありますが、そもそも今はコロナ禍のせいでライブ自体の実現もなかなかできない状況にありますよね。

♨️そんななかで注目を集めたのがZAIKOやTwitchなどのサービスを利用したライブストリーミング/ライブ配信での無観客ライブでした。

👼でも今年のライブ配信の流行は同時にその問題点も浮き彫りにしましたよね。前回の記事でも指摘しましたが、本来その場だけの生の音楽体験として楽しまれていたものが、ライブ配信だとパッケージングされた音楽作品として認識されるようになってしまった。

♨️しかし、同時にこうした状況に対する問題意識がかえって様々な工夫のなされたユニークな配信イベントを生み出したともいえます。どのようにして観客に「いま、ここで」すごいことが起こっているんだと思わせられるか。ライブ体験そのものがポスト・プロダクションされる必要が出てきたんです。

👼そうした動きのひとつ象徴になったものがトラヴィス・スコット『Astronomical』でしたね。

Travis Scott and Fortnite Present: Astronomical (Full Event Video)

♨️いやー、面白かったですよねこれ。音楽イベントが終わった直後に普通に元の殺し合いが始まって秒で撃たれたのもいい思い出です...

👼そして当ブログとしては取り上げないわけにいかないのがMaison book girlですね。彼女たちは6/24の『Solitude BOX Online』を皮切りに、8/11『孤独な箱で』、11/5『6irthday』と次々にライブ配信を成功させました。『Solitude BOX Online』については以下の記事でも取り上げましたね。

♨️「時空を飛び越える芸術」とブログのタイトルにもつけましたが、3公演の告知のツイートにもはっきりと場所と時間に対する問題意識が滲み出ていました。

ライブ見にきてくださいじゃなくて、そっちに行ってみます、絶対見てて https://t.co/7Rjj0WkZoI
— コショージメグミ(仮称) (@COSHOTaaaaN) 2020年6月19日

2020年8月11日開催
Maison book girl、無観客配信LIVE
「孤独な箱で」

過去、否定、明日、混沌。
ひとりぼっちのあなた。
そこに、メゾンブックガールは、います。

チケット販売中https://t.co/JNT7kjpAT1 #ブクガ pic.twitter.com/xOklyvXYow
— Maison book girl (@maisonbookgirl) 2020年8月1日

2020年11月5日開催
Maison book girl、無観客配信LIVE
「6irthday」

誕生の瞬間から、きっと違う世界で。
あなたと混じり合うその可能性。
六回目の崩壊と再生。
今どこにいますか、メゾンブックガール。

視聴コード付グッズ販売中https://t.co/DMUXjKdcnB #ブクガ6irthday pic.twitter.com/NpdCfppPOJ
— Maison book girl (@maisonbookgirl) 2020年10月30日

👼ブクガの場合、配信イベントにおいてもいかに現実の時間と空間から離れたところに（ファンも含めた）自分たち固有の表現の場を立ち上げるかに全力が注がれていて、そこが彼女たちの公演を特別なものにしていましたよね。

♨️そもそも、聴いてる人たちを別の時空に連れ去るのが元々の音楽の大きな役割ですからね。

👼ああたしかに。

♨️で、それはライブ映像をただ配信で流すだけではほとんど不可能ってことだと思うんですよ。そこで必然的にポスト・プロダクションのようなものが要請されると。もっというと、それって音楽を録音作品としてつくるときにも同様だと思うんです。ここで、「音楽が録音作品として落としこまれる際に失われてしまうものを補完する役割としてポスト・プロダクションが要請される」という仮説が立てられます。モーリッツ・ソメ『ポピュラー音楽のジャンル概念における間メディア性と言説的構築——「ジャパニーズ・シティ・ポップ」を事例に——』ではポピュラー音楽の「間メディア性」に焦点が当てられていましたが、もしかしたらそこらへんも関連して考えられるかもしれません。

👼なるほど。そう考えてみると例えばビートスイッチはそんな時空のマジカルが極端に表現されたものとして考えられるような気もしてきますね。

2021年の展望について

♨️というわけで、来年はいま喋ったような仮説も念頭に置きつつ本を読んだり音楽を聴いたりして、なにか語れそうになったらブログを更新するという感じでやっていこうと思っています。

👼ちなみにいま読んでる本はなにかありますか？

♨️いまは、クリストファー・スモール『ミュージッキング―音楽は“行為”である』とジェイソン・トインビー『ポピュラー音楽をつくる』をおそろしくスローペースで読み進めているところですね。

👼ふむ。

♨️それと並行して、来年はなんとか自分でも音楽をつくれるようになりたいと思っています。

おれの脳内には三浦大知とJPEGMAFIAを足したような音楽がふんわりとしたイメージで奏でられています
— ♨️ (@ngo750750750) 2020年8月13日

👼おお〜。

♨️とにかく凄い曲をつくってTwitterでバズりたい。

👼動機よ...

♨️というわけで、とりあえずはこちらの環ROYのインタビューで紹介されていたSoundQuestで勉強しつつAbleton Liveを使ってビートを作っていこうかなと。

👼なるほど、また来年も色々とやることがありますね...

♨️まあ無理せず伸び伸びとやっていきますのでみなさん引き続きよろしくお願いします。

👼じゃあ今回はこんなところでいいですかね...えー、それでは、みなさんよいお年を〜！メリークリスマス！🎄ハッピーニューイヤー！🎍

👼♨️YUKEMURI LAB、来年もお楽しみに......

2020-10-04

録音複製技術は音楽をどう変えたのか、あるいは『』について

音楽ソランジュカニエ・ウエスト Dos Monos

菊地成孔・大谷能生『憂鬱と官能を教えた学校』

♨️ さて、表題にあるとおり今回は録音複製技術が音楽にもたらしたものって一体なんなんだろう？みたいなことを考える回にしていこうと思います。

👼あのう、なんかものすごく主語がでかいんですけど大丈夫でしょうか...

♨️いやまじで大きすぎるんでこーゆうときは名著に頼ろう。ということで、最初のとっかかりにしたいのがこちらの書籍です。

www.kawade.co.jp

👼おお〜、これは菊地成孔・大谷能生コンビのいわずと知れた名作ですね。

♨️以下に紹介文をそのまま載せておきます。

20世紀中盤に登場し、ポピュラー音楽家たちのあいだに爆発的に広まった音楽理論「バークリー・メソッド」とはいったい何か―日本を代表するミュージシャン兼批評家=菊地成孔+大谷能生の名コンビが知的興奮に満ちた伝説の講義を展開。上巻は「調律・調性および旋律・和声」として、メロディとコード進行の謎に迫る。

ちなみにぼくは上巻の途中までしか読めてないですが

👼じゃあ半分も読んでないんじゃないですか...

♨️でもこれ既にめちゃくちゃ面白くて...冒頭に「21世紀の音楽のあり方を共に模索していきたい。」と述べているだけあって文中にいくつも根本的な問いを投げかけてて考えさせられるんですよね。で、そのうちのひとつに「音韻」と「音響」の対比があります。

👼ふむ。

♨️ちょっと長くなるんですがこの用語についての説明を引用します。(p.30)

記号化、つまり音楽の構造をプレハブ住宅だとかレゴブロックみたいに、それ自体には意味がない、入れ替え可能な箱を並べるように考えたいって欲望は、これはつまり、音楽を何度でも再現できる「音韻情報」だけに還元して考えるってやり方と相当な親和性があります。「音韻」っていうのは音楽の「内容」、というか、その音楽をぱっと聴いた時に覚えていて、で、後で再現できるような音の情報のことです。

それに対して「音響情報」っていうのは、その時、その場所でしか聴くことのできない音の要素。たとえば、洞窟だとか教会だとかで門外不出のグレゴリオ聖歌みたいなのを聴いたとしますよね、その時に声の残響がすごくいいだとか、この教会でしか聴けない石の倍音があるとか、何かそういったことでもってその時、その場所でしか聴くことのできない響きってのが生まれますよね。そういったものは音楽の中でも、記号化して家に持って帰ることができない要素のひとつです。

👼音韻と音響、音楽はその2つの要素で成り立っているんだと。なるほどねえ。

♨️そして、この本ではおおまかな流れとして、「再現不可能なその場限りのもの（＝音響重視）」であった時代から「商業音楽・大衆消費・大量流通音楽（＝音韻重視）」の時代を経て、録音複製技術の発展に伴い現代では再び音響重視になってきているという見方を採っています。

👼本文中の言葉でいえば「2002年の僕らは、音楽を聴くにあたって音韻にあまり頼ってないですよね。音響でしょ」と。確かにいまはもうわざわざライブハウスやクラブに出かけなくても自宅で十分いい音で音楽聴けますもんね。

♨️ただ、録音複製技術の発展が音楽に引き起こしたものはなにかって考えてみたときに、もっと決定的に音楽の在り方を変えてしまったとも思うんですよね。それはなにかって、演奏や作曲がどうとか以上に録音物としてどう完成するかが音楽家にとって最も重視されるようになったんです。これはとんでもない価値観の転換ですよね。

岡﨑乾二郎『芸術の設計』

♨️で、このことについて考えるときに参考になったのが、当ブログでは毎度おなじみ造形作家／批評家の岡﨑乾二郎が編著を務める『芸術の設計見る／作ることのアプリケーション』です。

filmart.co.jp

👼でましたね、岡﨑乾二郎...

♨️精神科医の斎藤環いわく「パソコンのアプリケーションを媒介として形式の違いを記述しようという卓抜な着想のもと」「建築、音楽、ダンス、絵画といった芸術表現の諸形式を、技術の側から見直すという壮大な試み」である本書は、当然現代の音楽についても非常に興味深い批判を投げかけています。ということで、以下に注目点を引用します。(p.55〜p.56)

レコード以降の録音複製技術を基盤にして成立したPOPミュージックの全面を支配しているのも、同じくこうした非対称的不可逆的（歴史的）なイメージだった。録音技術にとって、ライブとスタジオでミキシングされたものの区分はない。演奏と作曲されたものは録音にとって等価である。いいかえれば雑音だろうとプログラムされたものだろうと、録音された音響全体が楽曲＝作曲されたものとしてパッケージされ、確定される。録音つまりパッケージングという操作がここでは作曲という操作を代行する（グレン・グールドやヴァン・ダイク・パークス、ビートルズはこのことに自覚的であった）。（中略）重要なのは、POPミュージックを一つの全体（作品）として完結させているのが録音＝パッケージングという操作＝行為であり、またそれを一つの完結した全体として想起しようとするという聴き手の操作＝行為だったことである。

👼ふむ、つまり音楽が録音されているのではなく、録音こそが音楽の条件であるという逆転現象のようなことが起こっていると...

♨️ここでは「パッケージング」がひとつ重要なキーワードとなっているのですが、岡﨑によるこの問題意識は（音楽だけではなく様々な）作品制作における技法である「引用/コラージュ/モンタージュ」にまで及んでいます。少し長くなりますがそれについても引用してみましょう。(p.51~p.53)

複製技術の発展が生産プロセスに与えたもっとも大きな変化は、結果物それ自体の精度、解像度などではなく、むしろ生産プロセスを自在に組みかえる可能性、編集可能性だった。そこで引用され（リンクを張られ）、繋ぎ合わされ、組みかえられるのは事物ではなく、むしろ異なる時間軸で進行する複数の生産プロセスそれ自体である。（中略）引用、そしてコラージュという操作は、こうして引用される対象をまるごと一つの括弧（カプセル）に入れ、単体として完結させる効果をもたらす。引用された断片は、それが属した、かつての文脈の全体を包括して示す指標（インデックス）つまり名詞のように扱われはじめるのである。（中略）しかし断片が名詞化されるということはそれがラベルのように、それが名指す対象ーもともとの文脈の文節、構成をまるごと隠蔽、封印しパッケージングしてしまうということでもある。（中略）こうして引用された対象とそれが再配置される新たな文脈の間には互いに不可侵、不可逆的な階層（レイヤー）、序列が形成される。いわば歴史が形成される。すべてのものを無時間的な場（共時性）の上に並列するという一般的な理解とは反対に、引用、コラージュ、モンタージュとは、歴史を作り出す操作そのものである。

ひい書き写すだけで疲れた！

👼今度はパッケージングではなく括弧（カプセル）という言葉を使っていますね。

♨️でも使われている意味は同じですよね。岡﨑にとっては、音楽を録音・パッケージングすることと、その断片をサンプリングすることは『』をつける行為という意味では同じ問題を抱えているんです。

👼なるほど、その『』をつけるセンスこそが大事というのがいまなんですかね。

演奏者＜プロデューサー

♨️したがって、現代ではプレイヤーではなくプロデューサーがいちばん偉いんですよね。というのは芸術の設計の中でも触れられています。(p.150)

プロデューサーは、実際の演奏者や作曲者以上に、録音物としての作品が最終的にどう聞こえるのかを決定する（もちろん演奏者や作曲者自身がプロデューサーを兼任するケースも多い）。つまり、プロデューサーは音楽を録音に特化した形式へと編集する役割を専門的に担っている。（中略）以上のような事態に拍車をかけたのが、ここまで見てきたパソコンとDAWソフトの普及だった。つまるところ、既存のレコードを掛け合わせて演奏するDJも、パソコンで出来合いの素材を組み合わせて楽曲を構築するラップトップミュージシャンも、録音データとして一元化された音楽を編集するという意味においては、等しくプロデューサー的な制作方法に従っている。

👼なるほど、「パソコンで出来合いの素材を組み合わせて楽曲を構築する」といえば、いまではSpliceのような定額でサンプルパックが使い放題なサービスもありますしね。

♨️そのサービスはぼくも使ってて、以前こんな動画をTwitterにアップしたこともありました...

話題になってたSpliceのサンプルパックだけ使って浜崎あゆみ『M』のREMIXをやってみました......思いのほか自分好みにできたと思います......#ayumix2020 #ayuクリエイターチャレンジ #おうち時間 #stayhome pic.twitter.com/IA2hng0CnH
— ♨️ (@ngo750750750) 2020年5月13日

👼主にDAWを使って音楽をつくっている人たちがSpliceなどを利用しながらどのようなプロセスで楽曲をつくりあげていっているのか、という点は今後もっと追求していくべきところですよね。ってゆうかぼくらも楽曲つくれるようになりたいっすよね...

Kanye West's『My Beautiful Dark Twisted』

♨️まあ今回それは一旦横に置いておいてプロデューサーの話題に戻りますが、いま喋ってきたような流れを最も象徴する作品があのMBDTFことKanye West's『My Beautiful Dark Twisted Fantasy』です。

カニエ・ウェストの「My Beautiful Dark Twisted Fantasy」をApple Musicで

👼名盤！

♨️いや〜やばいっすよねこれ......全ての音が気持ちよくヒットしてくるので聴いてると涎をたらしながら失神してしまいそうになりますが、この作品全編で貫かれているのがあらゆる音の素材をすべて自分のエゴに落とし込むプロデューサーとしての彼のセンスです。で、その点を掘り下げるときに必須なのがこちらの書籍です。

Kanye Westの人物像や音楽性に迫る書籍『カニエ・ウェスト論』が6月に刊行｜一部を独占先行公開 - FNMNL (フェノメナル)

👼そしてその書籍を買う際に参考になるのがこちらの記事ですね。

しかし、2010年作のMBDTFについて論じながら同時にカニエ・ウェストという人物像を非常に的確に捉えているというもの凄い一冊ですよね...

♨️上の記事ではなんと本書の中から「贖罪のアート」という章が全文公開されていて（必読）、あの有名なオアフ島のエイヴェックス・ホノルル・スタジオでおこなわれた「ラップキャンプ」についてのくだりを読むことができます。これは主にノア・キャラハン・ビーヴァーという人物による体験談で構成されているのですが、大きな読みどころのひとつなので少し引用してみましょう。

制作現場での繊細な共同作業の様子を知れば知るほど、カニエは監督であり、曲の作者でもあるように感じてしまう。この考えをより理解するために、キャラハン・ビーヴァーはハワイのラップキャンプに参加した、レジェンド級のヒップホップ・プロデューサー、Qティップの言葉を引用している。

「芸術作品において、ミケランジェロやレンブラントとかいった大御所はみんななにかしらスケッチをしているが、その手で描いたとはかぎらない。ダミアン・ハーストがコンセプトを打ち立てたら、大勢のクルーが作業員のようにそれを仕上げるんだ。彼の手はキャンバスに触れる必要はないが、その考えは反映される。カニエもそうだ。彼はビートやライムが浮かんだら、われわれ全員に提示する。俺たちは彼が始めた音を詳しく吟味し、さらに引き裂いてみたりなにかを足したりする。セッションの終わりには、みんなで力を合わせて作ったものを彼がまとめ、変化させると、全体はパートごとよりずっとすばらしいものになる。彼は本物の魔法使いだ。実際、彼が行っているのは錬金術なんだ」

👼ラップキャンプでのカニエのプロデューサーとしての立ち位置がよくわかる文章ですね。

♨️また、「Runawayー許を請う音のバレエ」という章では、彼のサンプリングの才能について次のように述べられています。(p.146〜p.147)

彼は変形する時間の皮肉、不可思議さと戯れ、粉々になった過去の破片から未来で通用する音の専門用語を見つけ出して、最良のサンプリングを作る。彼の曲はポップから出たゴミをリサイクルしただけとか悪口を言う人は、ある意味で正しい。〈Runaway〉の脚部を形づくる〈Expo 83〉のドラムは、以前にも取り出されてピート・ロック＆CLスムースの1992年のデビューアルバム《Mecca and the Soul Brother》に入っている〈The Basement〉のブレイクビートのイントロという、別のサンプリングに組み込まれていた。ビートの上で1971年から1992年、2010年へと時が展開していくのだ。3つの異なる歴史が一拍の音に集約され、お互いに相関しながらそれぞれの元の音よりずっと偉大なひとつの生命体として育っていく。

👼「粉々になった過去の破片」という例えが見事ですね。

♨️しかし、「お互いに相関しながら」という表現は誤りにも思えます。「Runaway」を聴いて「Expo 83」の曲全体を思い浮かべることは基本的にはあり得ません。「Runaway」の製作にあたって、カニエは「Expo 83」の中からドラムの音のみを取り出し自身の楽曲の一要素として再配置しました。つまり、ドラムの音として名詞化してしまったのです。そこに彼のキラリと光る『』づけのセンスがあるんですね。

Runaway - song by Kanye West, Pusha T | Spotify

👼なるほど、前半で岡﨑乾二郎が言っていたのはこういうことだったんですね。

♨️つまり、『』の王様なんすよね、カニエは。

👼ネーミングセンスめちゃくちゃダサいっすね......

Solange『When I Get Home』〜断片化をなぜ感じるのか〜

♨️さて、ここまでみてきたように、レコード以降の録音複製技術の下で音楽はいかに音をパッケージング（『』づけ）するかが最も重要視されるようになりました。しかし、このような、「録音された音響全体が楽曲＝作曲されたものとしてパッケージされ、確定される。」という状況のなかで、なにやら一部の音楽作品には不思議な言葉が寄せられることになります。

👼なんでしょう...？

♨️それが、「断片化」という表現です。ということで、まずはこちらをご覧ください。

Solange - When I Get Home (Director's Cut)

www.youtube.com

👼2019年にリリースされたSolange『When I Get Home』のショート・フィルムですね。というか41分20秒もある映像がはたしてショート・フィルムといえるのか？

♨️アルバムのほうは39分の収録なのでフィルムのほうが長尺という...しかし、これ本当にアルバム/フィルムと何度聴いても不思議な作品なのですが、同時に先ほど取り上げたMBDTFと色々な面で対照的に考えることができるはずなんです。

👼そ、そうなんですか...？

♨️まず、MBDTFと本作の共通する点は「アルバムのクレジットがバカみたいに長い」ということです。これは多分Geniusを見るのが一番手っ取り早いと思うのでリンクを貼っておきます。

Kanye West - My Beautiful Dark Twisted Fantasy Lyrics and Tracklist | Genius

Solange - When I Get Home Lyrics and Tracklist | Genius

👼まあ両者を比較すると特にカニエのほうの長さが際立ちますがとにかく色んな人が参加していますね。

♨️そうですよね。しかし、その制作スタイルはというと実は両者で真逆のようなスタンスをとっているのです。下のツイートをご覧ください。

ソランジュ『When I Get Home』のvinyl買ったんだけど、レコーディング場所がことごとくホームスタジオであることを確認した。 pic.twitter.com/KRywVijyZE
— ♨️ (@ngo750750750) 2020年1月28日

そう、カニエが「ラップキャンプ」だとするならば、ソランジュはホーム、つまり「民泊」なのです！

👼えっと...民泊は流石に無理のある表現な気がしますが...

♨️いや、でもそのキャンプと民泊の違いはプロデューサーとしての立ち位置にもしっかり違いがでているように思えるんですよね。例えば、HIP HOP DNAというWEBメディアの記事からソランジュの発言を引用すると、多数のアーティストが制作に参加することについて次のように語っています。

「私にとって一番良いのは人を呼んで『do you（あなたをやって）』と言うことね。私が表現したいことに使える、と思うアドリブなどが聞こえるまで６時間ぐらいかかることもあるわ。」

また、i-D Japanによる記事によると次のようにも発言しています。

このアルバムのレコーディングでいちばんよかったのは、ほとんどの曲をワンテイクで撮ったこと。曲のあたまからメロディを歌い、コードを組み立てる。私と（テンポを合わせるための）クリックトラック、相棒のジョン・キーのドラムかキーボード、そしてジョン・カービーのシンセだけ。その15分の演奏のなかからベストな3分を探し出すようにした。実はボーカルの音を作り直そうとしてみた箇所もいくつかあった。でも同じエネルギーは出せなかったから、そのまま委ねることにした

ね？全然カニエと違うでしょ？

👼キャンプか民泊かは全然関係ないと思うけど（笑）たしかに、まず浮かんだビートやライムのアイデアを提示して要望どおりにつくらせるカニエの制作スタイルとは真逆な感じがありますね。

♨️その「15分の演奏のなかからベストな3分を探し出すようにした。」という箇所については以前にも痙攣というZINEの中で引用したことがありましたが（小沢健二からメタルの新時代まで、話題の音楽ZINE「痙攣」が増刷・再販中 | Mikiki）、ここでぼくが書いた「モンタージュ音楽論」という記事について、なんと後日批評 × 旅行誌「LOCUST」の編集長である伏見瞬にコメントをいただくことができました。そのなかでも重要と思われる箇所について以下に引用します。

『痙攣』全記事についてのコメント - I was only joking

Solangeが新作のインタビューで「15分の演奏の中からベストの3分を探すようにした」と語ったエピソードが論考で紹介されているが、つまり本稿で描かれているのは「全体から断片を抜き出す」方法であって、コラージュの手法とは逆立している。むしろこれは「断片化（英語ならFragmentationかな）」とでもいうべき特徴だろう。

👼ここで断片化というキーワードが出てきましたね。

♨️あとは、こちらの記事も非常に面白いので未読の方はぜひ読んでほしいのですが、なかでも注目してほしいのが以下に引用する若林恵の発言です。

rollingstonejapan.com

冒頭の5分を一聴するだけで、これが前作『A Seat at the Table』とはまったく異なる作品であることはたちどころにわかる。本作は、よりオープンで、よりセッション的、直感的だ。メロディやことばの断片は、丹念に練り込まれる前に、そのまま水平方向に移動して次の曲へと移っていくかのようで、いい曲をつくろうとか、磨き上げられた完成品を目指そうという意思は稀薄だ。曲が曲として構造化してしまう前に動き去ってしまうことがむしろ意図されているようなのだ。前作が、構築的で静的なものであるなら、今作は、明らかに即興的で動的。前作が、完成を重視した作品であるなら、本作は、ステートメントにもあった通り、プロセスそのものが重視されている。

👼なるほど、たしかに面白い発言ですね。「POPミュージックを一つの全体（作品）として完結させているのが録音＝パッケージングという操作＝行為」であるというのは前半の岡﨑乾二郎による指摘でしたが、本作はパッケージングされたものであるにも関わらず「動的」であり、「プロセス」こそが重視されているように思えると。

♨️聴いてて「断片性」を感じることの秘密もここにあるように思いますね。要するに、本作は楽曲を「一つの全体（作品）として完結」させることがそもそも意図されてないんですよ。アルバムの構造がシームレスに流れていくものになっているのもそのためですね。『When I Get Home』は、When I Get Home なのです。カニエが『』の王様だとすると、その『』づけ自体を取っ払ってしまったのがソランジュだということです。

👼うーむ...Solange『When I Get Home』に感じる不思議さとか違和感って、こうやって考えていくとなんだか録音・パッケージングされたものを「完結された至上のもの＝音楽作品」だとするアルバム至上主義的な見方が揺らいできちゃいますね...

ライブ配信というパッケージング

♨️ところでこれを書いている現在はコロナ禍の真っ最中でございまして...おかげさまでここ数ヶ月は全くクラブにもライブハウスにも行けておりません。これは、まさにぼくら自身が『』の内側に押し込められている状況なのだといえそうですが、そんな中で盛り上がりをみせているのがライブ配信による音楽イベントです。そして、これは同時に音楽ライブというものが映像作品としてパッケージングされてしまうという状況を生み出しました。しかし、そもそも本来の音楽ライブの醍醐味って、音楽を中心にして人が集まって、音楽が鳴り、そして帰っていくというその一連の動的なプロセスにこそあるはずなんですよね。

👼たしかに、「外に出かけてライブを聴いたりDJプレイで踊ったりして帰る」という一連の営みって『』づけされない形での音楽の楽しみかたですよね。

♨️つまり、音楽ライブにとって肝なのはパッケージングされていない音楽体験だということです。そういう意味では、ライブ配信でなくても、例えばトラヴィス・スコットがフォートナイトで行ったライブだって所詮映像作品の範疇を出ないものであり、現実の音楽ライブと相対的に考えるべきものではないはずです。

www.cinra.net

星野源『うちで踊ろう』とDos Monosの「零次創作」リミックス企画

👼そんな配信ライブ以外で話題になったのがなんといっても星野源の『うちで踊ろう』ですね。なんか後半は陳腐な大喜利が始まったり安倍首相がくそつまんない乗っかりをしてきたりで台無しになってしまいましたが笑

gendai.ismedia.jp

♨️この取り組みが面白かったのは、作品のリリースが同時に素材の提供でもあったことです。上の記事にもあるとおり、彼がInstagramに投稿した約1分の弾き語り動画は様々な人の新たなクリエイティブを呼び起こしました。二次創作されることが前提とされた作品のリリースであったという点で非常に画期的な取り組みではあったのです。

👼最近だと大阪万博のロゴもTwitter上で大きな二次創作ムーブメントを生み出していましたね。まあこれはあっという間に消費され尽くしてしまいましたが...

news.livedoor.com

♨️「二次創作のための素材」に対する需要がめちゃくちゃ高まっている現状って間違いなくありますよね。楽曲が作品の完成を意味せず、むしろ次の創造の素材として機能するという新たな音楽の形がそこにあるような気がします。で、そういった動きのなかでもとりわけユニークな取り組みだったのが、Dos Monosによるこちらの企画です。

www.cinra.net

この7月、東京・渋谷の宇田川町に突如、Ableton Liveでの音源制作画面を全面に映し出した屋外広告が出現した。これはDos Monosの新作『Dos Siki』に収録された“The Rite of Spring Monkey”の制作画面で、2019年3月の1stアルバム『Dos CIty』以来の新作のリリースを伝えるものであると共に、前代未聞のとある企画を告知するものでもあった。その企画とは、Ableton Liveの制作画面を唯一のヒントとして、他の音楽家に謎解きのように新たな楽曲を創作してもらうという「前代未聞のリミックス企画」だった。

👼いや、すごいですよねこれ。もはや二次創作ですらないし。

♨️この企画について、Dos Monosのメンバーである荘子itの発言を引用します。

原曲のリリースよりも先に作って出してもらうという意味では、「二次創作ならぬ「零次創作」。あとは、そもそもこの画面に即していなくてもいいわけですよ。「BPM94」と書いてあっても、その通りに作らないといけないというわけでもない。BPM300で作ったっていいし、究極を言うと、この画面をもとにカレーを作ったっていいわけです（笑）。でも、あえて言わなくても、画面の制約に各々が解釈を加えて新しいアイディアを得られる、というのが企画の本懐でした。

と、まあ読んでて非常に面白い記事だったんですが、こういった取り組みを追っていくと、単純な楽曲自体の魅力どうこうよりも、その楽曲が素材としていかに料理できるものなのかが重視されているという現状も見えてきます。Tiktokなんかはまさに楽曲を素材にして楽しむプラットフォームであるといえるし、瑛人の香水がなぜか大ヒットしたのも素材としての扱いやすさが大きいですよね。

👼なるほど、素材としての楽曲制作が今後どういった展開をみせていくのか、これから注目していきたいですね。

おわりに

♨️さて、ここまで岡﨑乾二郎の『芸術の設計見る／作ることのアプリケーション』で述べられていたパッケージング（もしくは『』）という言葉を主軸に色々と喋ってきたわけですが、いかがでしたでしょうか？

👼もしなにか感想がおありでしたら、どんなものでも構いません。是非とも「#YUKEMURILAB」のハッシュタグをつけたうえでTwitterにつぶやいてみてくださいね。

♨️最後に今回は喋りきれなかったけどこの記事の延長線上で興味をもっているトピックについて並べておきます。もし自分も興味があって記事を書いてみたいなんていうことがありましたら、是非ぼくのTwitterのアカウントにDMかリプライでご連絡ください。よろしくお願いします...

twitter.com

書籍：岡﨑乾二郎『抽象の力（近代芸術の解体）』、ジョージ・クブラー『時のかたち：事物の歴史をめぐって』、平倉圭『かたちは思考する：芸術制作の分析』、椹木野衣『シミュレーショニズム』、菊地成孔・大谷能生『アフロ・ディズニー』、檜垣立哉『瞬間と永遠――ジル・ドゥルーズの時間論』

作品：Kassa Overall『I THINK I'M GOOD』、中村佳穂『AINOU』、Mom『21st Century Cultboi Ride a Sk8board』、長谷川白紙『エアにに』、altopalo『farawayfromeveryoneyouknow』、JPEGMAFIA『All My Heroes Are Cornballs』、 login『bitzer』、RPBGV『Bodygizer』、draag me『i am gambling with my life』、Tortoise『TNT』、マイルス・デイヴィス、The 1975『Notes On A Conditional Form』、Oneohtrix Point Never、Van Dyke Parks『Song Cycle』、ビーチ・ボーイズ『スマイル』、ザ・ビートルズ『Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band』、Chassol『Big Sun』、ジャルジャル『国名分けっこ』、坂本龍一『async』、Maison book girl『Solitude HOTELシリーズ』、市原佐都子『バッコスの信女ーホルスタインの雌』、ジャン＝リュック・ゴダール、エイゼンシュテイン、岡﨑乾二郎『視覚のカイソウ』

その他：ニューエイジ、アンビエント、サウンドトラック、ゲーム音楽、労作歌、子守唄、ミューザック、TikTok、コラージュ、カットアップ、モンタージュ、ソニマージュ

👼♨️さようなら......次回も素敵な湯けむりを......

2020-07-04

時空を飛び越える芸術ーMaison book girl『Solitude HOTEL 4F』と『Solitude BOX Online』

Maison book girl ブクガ音楽芸術 #yukemuriRADIO

Maison book girl『Solitude HOTEL 4F』

♨️ いやー、SH4Fかなりやばかったですね...

👼えーと、Maison book girl（以下ブクガ）の4thワンマン・ライブ、SH4FことSolitudeHOTEL4Fのことですね。アイドルユニットである彼女たちによるライブ公演シリーズの名称で、独自の世界観とまるで演劇のような物語性の強いパフォーマンスで知られています。しかし、4Fといえば2017年12月28日の公演ですが、それをいまさら騒ぎ出すという…

♨️Amazonプライムビデオでたまたま映像化されてるのを見つけまして...

👼で、まんまとハマってしまうと。

♨️もう大感動しました......

♨️大感動しました......

👼2回言った...

♨️いやなにがやばいって...普通はミュージシャンやアイドルのライブって演者と観客の一体感を楽しむものじゃないですか...ところがSH4Fは丸っきり逆で演出によって観客を置き去りにしているんですよね...はい、これナタリーのライブレポと当日のセットリストです。

Maison book girlが未来、過去、現在を巡ったZepp DCワンマン（ライブレポート / 写真42枚） - 音楽ナタリー

👼うーん、これだけ読んでもなにがなにやらさっぱりわかりませんね。とにかく時間が巻き戻ったり進んだりしていると...

♨️映像を観てもなにがなにやらわからないですよ。まじでまだ観てない人はいますぐにAmazonプライムで観てほしいんですが、とりあえず公演中はずっとスクリーン向かって左上の目立つ位置に日付と時刻が表示され続けているんですよね。ナタリーのライブレポにあるようにこの表示が操作されることで「未来、過去、現在を巡」るような構成になっています。

で、これってなんかすごいイメージが湧くものがありません？

👼うーん...ビデオカメラの......

♨️こうゆうやつですよね。

なんか録画したビデオ映像の再生って感じなんですよね。

👼え、でも実際にブクガは「今」舞台上で踊っていたわけで...

♨️いやまあそうなんだけど、少なくとも公演中にMaison book girlと観客は同じ時間をほとんど共有できていないですよね。舞台上で起こる時間の変化に観客はほとんどついていけないような演出になっています。

👼舞台上と観客の間に「時間のズレ」が起こされていたということですね。

Robinson Jeffers『TO AN OLD SQUARE PIANO』と『レキュトスの壺絵』

♨️ そう、僕はそこがすごく重要だと考えていて...そのことを説明するために、ここで造形作家・批評家の岡﨑乾二郎の文章を引用したいと思います。時間があったらまずはこちらを全文読んでみてください。

聴こえない旋律を聴く｜聴こえない旋律を聴く｜岡﨑乾二郎｜webちくま

👼よ、読みました...

♨️この文章のなかで、岡崎は『レキュトスの壺絵』や『少女像』などを例にあげながら「現実において不在＝ネガティブの場所、その場所を経験させることこそが芸術作品のもつ力であり可能性である。」と指摘していますね。

👼ふむ。

♨️『レキュトスの壺絵』について述べている文をもう少し引用します。

同じ時間と空間にあるものしか人は見ることができないし聴くことができない。 だから二人は別の世界に隔てられている。ネガティブ・ケイパビリティとはこの《できない》という否定性を受け入れる能力である。それを受け入れたとき《たましい》は直接的な感覚（そして、それが位置する特定の場）から離れた音楽＝旋律を奏でることができ、共振させることができる。

♨️やばいでしょ？どうよこれ...

👼なるほどね。これをSH4Fに置き換えて考えると、演者側と観客側のそれぞれに流れる時間の断絶、同じ時を共有《できない》という否定性こそがあの公演を特別なものにしている、と。

♨️で、SH4Fでは、終演後にRobinson Jeffersの『TO AN OLD SQUARE PIANO』という詩篇が配られたそうですが、これがまた『レキュトスの壺絵』を彷彿とさせる文章なんですよね。

Solitude HOTEL 4th Floor-1｜KG0401｜note

↑の記事で翻訳がされていたので転載させて頂きます。（個人的に重要だと感じた部分を強調しています）

hose fingers wore your ivory keys
あなたの白鍵は、誰かの指ですり減っている
So thin--as tempest and tide-flow
嵐のような、潮の満ち引きのような
Some pearly shell, the castaway
真珠の貝殻は廃棄され
Of indefatigable seas
疲れを知らない大海に
On a low shingle far away--
とてもとても遠い場所

You will not tell, we cannot know.
あなたは、教えてくれない。
（だから）私達は知らない。

Only, we know that you are come,
ただ、私達が知っていることは、
あなたがここに来たこと
Full of strange ghosts melodious
すべての奇妙な見えないメロディー
The old years forget the echoes of,
古い年月は、反響を忘れ、
From the ancient house into our home;
古（いにしえ）の家屋から、私達の家に
And you will sing of old-world love,
あなたは、古い世界の愛を奏でる
And of ours too, and live with us.
私達の愛も奏で、私達と暮らす

Sweet sounds will feed you here: our woods
甘美な音色があなたを私達の森へ導き
Are vocal with the seawind's breath;
歌声は潮風の呼吸
Nor want they wing-borne choristers,
翼を持った聖歌隊でもなく、
Nor the ocean's organ-interludes.
大洋のオルガンによる間奏曲でもない
--Be true beneath her hands, even hers
彼女の、彼女の腕により、発揮される
Who is more to me than life or death.
生命よりも大切な彼女

👼素晴らしい詩ですね...

♨️「TO AN OLD SQUARE PIANO」、要するに中古のピアノのことですよね。すり減った白鍵をみて、過去に奏でられた音色に想いを馳せているわけです。

👼流れる時間は違えどピアノを通して人々が通じ合っているわけですね。

♨️SH4Fでは、最後にブクガのデビューライブが行われた2014年11月24日まで時間が遡りました。ファンにとっては大事な思い出でありすでに失われた時間＝不在の場所をブクガの身体とパフォーマンスでもってして再現してみせたわけです。

👼SH4Fこそがまさに「TO AN OLD SQUARE PIANO」だったというわけですね。

♨️そう。そして、ここに「媒体としてのSH4F」という視点が見えてくるはずです。

👼ふむ。

♨️その点で参考になりそうなのがこちらの記事なのですが..

bijutsutecho.com

👼へえ、濱口竜介の『天国はまだ遠い』について、（『リング』を補助線にしながら）メディウム（medium／映像媒体／霊媒）の物語として読み解いているんですね。なるほど、ここではカメラを通した媒介に焦点が当てられているのですね。

♨️『リング』はいうまでもないですが、『天国はまだ遠い』も幽霊の話なんですよね。SH4Fも全体を通してホラー的な演出が目を引きますが、「不在を顕す」ための手段として使われている面が大きいと思います。ちなみにこの記事は締めの文章もいいんですよね。以下に引用します。

濱口が本作を公開した2020年の１ヶ月間、人間が物理的に集い直に交流しづらい状況が続いている。多くの人が、パソコン、スマートフォン等のモニター越しに自宅の外部を眺め、人と交流するしかない。そして、モニター越しでは、三月にとっての雨と同じく、見たり聞いたりすることはできても、匂いや触感はとらえられない。また、オンライン配信された動画は、あの劇場で見た映画と同一なのか、あるいは全く別物なのか。そのような状況下で無料配信された『天国はまだ遠い』は、物理的には同じ場所にいない一人、一人、やりきれなさとともに温かな情感を伝えたものと想像している。

♨️はい。ということで、話はコロナ禍に包まれる現在まで飛びます。

👼いや急すぎる。

コロナ禍によるライブハウス・クラブへの自粛要請とライブストリーミングへの流れ

♨️めちゃくちゃ先の未来の人が読んでくれている可能性も考えて一応説明しますと（それ以外の人は読み飛ばしていいです）、この記事の公開日は2020年7月7日なんですが、今年の2月ごろから新型コロナウイルス感染症（SARS-CoV-2）が世界規模で流行しておりまして。日本での状況については、中日新聞を参考にするとまず2020年1月5日に「中国湖北省武漢市で原因不明のウイルス性肺炎が広がっており、」という内容の記事が掲載されるところから始まり、1月28日には感染症法上の「指定感染症」に指定、その後も感染者は増え続け、4月7日には改正特別措置法（新型コロナ特措法）に基づく緊急事態宣言が発令されました。

👼そして、2月26日には政府から「多数の方が集まるような全国的なスポーツ、文化イベント等については、大規模な感染リスクがあることを勘案し、今後２週間は、中止、延期又は規模縮小等の対応を要請することといたします。」という要請が出されましたよね。

♨️要請を受けて、その夜に開催予定だったEXILE(京セラドーム大阪)やPerfume(東京ドーム)のコンサートは急遽中止になり、その日を境に全国のライブハウス・クラブのイベントが軒並み開催中止・延期に追い込まれることになりました。

👼そんな中で、まず突出した取り組みとしてあげられるのが3月1日におこなわれたBAD HOPの横浜アリーナでの無観客ライブですね。

natalie.mu

♨️あれやばかったっすよね。本来なら会場に観客を入れてやるはずだった本番と同様のステージセットをそのまま使い、結果として1億円以上の負債を抱えながらも無料でライブストリーミングしてしまうという...

👼これを皮切りにその後も続々とライブストリーミングによるイベントが増えていきましたよね。

♨️思いつく範囲で軽く例をあげると「ceroの電子チケット制ライブ配信」「Rainbow Disco Club 2020」「Music Unity 2020」等々、現場に足を運ぶことができない代わりにライブ配信でのイベントが多く行われました。

👼「ライブハウス・クラブの自粛→ライブストリーミングへ」という流れですね。

DOMMUNEから学ぶライブストリーミングの魅力

♨️そして、日本でライブストリーミングといえばやっぱりDOMMUNEですよね。

DOMMUNEとは？｜ DOMMUNE （ドミューン）

👼えー、「アーティストの宇川直宏が2010年3月1日にDIYで開局した、日本初のライブストリーミングスタジオ兼チャンネル」ですか。なるほど、ずいぶん早くからやってるんですね。

♨️ まあひとことでいえば「先駆者」ですよね。そんな宇川直宏が、日本のロックバンドGEZAN主催のレーベル「十三月」によるコロナ禍でのドキュメンタリー映像『#WISH2』においてインタビューに答えています。冒頭から5:30秒ぐらいまでなので見てみてください。